Empieza la carrera hacia los Oscars 2012: Premios Gotham y Círculo de Críticos de Nueva York

Podemos afirmar que hoy se ha dado el pistoletazo de salida de los Oscars, empieza la carrera de películas, directores, actores, directores de fotografía y compositores para llegar al Kodak Theatre y tener la posibilidad de llevarse el preciado y deseado galardón. 

Antes de darse a conocer los premios del Círculo de Críticos de Nueva York, los primeros premios considerados oficiales y que ya hay que tener en cuenta de cara a las papeletas de las películas a los Oscars, se han entregado los Gotham Awards. Premios otorgados por los cineastas independientes de la Costa Este. En éstos El Árbol de la Vida y Beginners se han repartido el premio gordo. Beginners también ha conseguido un premio a mejor reparto. Aquí la lista de los ganadores restantes:

- Mejor película: Ex aequo Beginners de Mike Mills - El Árbol de la Vida de Terrence Malick.

- Mejor reparto: Beginners (Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent).

- Mejor revelación: Felicity Jones por Like Crazy.

- Mejor director novel: Dee Rees por Pariah.

- Mejor documental: Better this World.

- Mejor película inédita: Scenes of a Crime.

El Círculo de Críticos de Nueva York han proclamado como primer vencedor a The Artist y a su director. Los premios interpretativos han estado repartidos entre diferentes película y han sido para Brad Pitt, Meryl Streep (a ver si consigue ya otro Oscar), Albert Brooks y Jessica Chastain. Destacar el reconocimiento como mejor película de habla no inglesa a Nader y Simin: Una separación, una de las mejores películas del año junto con The Artist para la que escribe.

- Mejor película: The Artist de Michel Hazanavicius.

- Mejor dirección: Michel Hazanavicius por The Artist.

- Mejor actor: Brad Pitt por Moneyball y El Árbol de la Vida.

- Mejor actriz: Meryl Streep por La Dama de Hierro.

- Mejor actor de reparto: Albert Brooks por Drive.

- Mejor actriz de reparto: Jessica Chastain por El Árbol de la Vida, Criadas y Señoras yTake Shelter.

- Mejor guión: Moneyball de Steven Zaillian y Aaron Sorkin.

- Mejor fotografía: El Árbol de la Vida de Emmanuel Lubezki.

- Mejor película en lengua no inglesa: Nader y Simin: Una Separación.

- Mejor documental: Cave of Forgotten Dreams de Werner Herzog.

- Mejor ópera prima: Margin Call de J.C. Chandor.

- Premio especial: Raoul Ruiz.

The Help, Criadas y Señoras

Desde que se estrenó The Help, y después de recibir buenas críticas allá donde se exhibía, que suena en todas las quinielas de la próxima edición de los Oscars. Y no es para menos, porque más allá de sus fallos, no se puede negar que parece creada para arrasar en la ceremonia de los más prestigiosos premios. Historia sobre la lucha por los derechos humanos (de esas que toca la fibra sensible, tal y como les gusta a los académicos), cuidada técnicamente, y con grandes actuaciones.

The Help trata sobre criadas y señoras tal y como acierta el título español. Nos situa en Jackson, Mississipi a principios de los años 60 cuando empezaban los movimientos a favor de la igualdad entre blancos y negros en las grandes ciudades. En ese contexto Skeeter, una joven independiente que vuelve de la universidad para ser escritora y periodista decide escribir un libro desde la perspectiva de las criadas. Para conseguirlo, primero tendrá que convencerlas para contar lo que sienten, y para eso tendrá que comprenderlas y verse de alguna forma involucrada en la lucha para la igualdad entre blancos y negros. Eso causará el escándalo de sus amigas de la infancia quienes con hipocresía y superioridad desprecian a sus sirvientes y a todos aquellos que no tengan una vida aparentemente perfecta.

El film como avanzaba más arriba está muy cuidado; el guión del propio director Tate Taylor sin ser una maravilla dibuja bien los personajes y las situaciones, y transmite el mensaje de forma clara, precisa y sin complicarse la vida. No nos engañemos, esa historia ya la hemos visto, y no una, ni dos, ni tres, muchas veces. Quizás la evolución de la historia parece forzada, algunas excusas para actuar no acaben de convencer, pero no nos importa. The Help tiene la virtud de transmitirla con bastante frescura, de manera ágil, sin aburrir (a pesar de las 2 horas y 25 minutos de duración), sacando una parte cómica sin forzarla... Todo eso se podría resumir en que el film tiene encanto, convence, y no puedes evitar la sonrisa al aparecer los títulos de crédito.

La película no es atrevida, no es transgresora ni innovadora, pero con una puesta en escena clásica y efectiva consigue sus objetivos. La minimalista pero bonita banda sonora de Thomas Newman y la fotografía de Stephen Goldblatt ayudan a embellecer el resultado final.

Seguramente la película recibirá algunas nominaciones a los Oscars, si yo pudiera rellenar una papeleta, esas nominaciones serían en las interpretaciones. Viola Davis y Octavia Spencer forman un dúo estelar como Abieleen y Mimmy, las dos críadas protagonistas. La primera pone la parte más dramática de la película y la segunda la parte cómica. Las dos se comen a todas “las blancas” que salen en la película y me parecería justo su reconocimiento con una nominación. Emma Stone interpreta a Skeeter la protagonista con el suficiente aplomo, consigue una actuación más serie y contenida de lo que nos tiene acostumbrados y nos abre nuevos registros. Bryce Dallas Howard y Jessica Chastain interpretan a Hilly y Celia Foote, dos “señoras” muy diferentes, la primera una arpía, sin remordimientos cabecilla del grupo de mujeres de Jackson; y la segunda “señora” que no sabe comportarse como tal, inocente e ilusa que protagoniza algunos de los momentos más hilarantes de la película. Los otros momentos hilarantes son para Sissy Spacek, injustamente bastante desaprovechada.

Como conclusión, The Help es una película bien hecha y cuidada con gran fuerza expresiva gracias a las actuaciones, que se sirve de una historia contada dándole una visión fresca y simpática.

Nota: 7/10

Carnage (Un Dios Salvaje y un Polanski dócil)

Desde que se estrenara El Escritor y me dedicara a repasar la filmografía e un Polanski que desconocía más allá de sus películas más comerciales (Oliver Twist y el Pianista), que sigo los pasos del pequeño director polaco. A día de hoy y a falta de buenas ideas, ver a alguien capaz de llevar a la pantalla con bastante maestría adaptaciones con un toque inquietante en cada una de sus películas siempre se agradece. Por tanto es lógico, que ante Carnage, una adaptación de una obra de teatro del mismo título, mi expectación fuera alta, muy alta, y más aun viendo el reparto. Como siempre las expectativas juegan una mala pasada.

Carnage o Un Dios Salvaje como se ha llamado en España nos cuenta una historia a tiempo real, la reunión de dos matrimonios en casa de unos para discutir sobre una pelea de sus respectivos hijos. Uno de los niños pegó al otro en una discusión en un parque de Brooklyn después de que este le impidiera entrar en su grupillo.

Como adelantaba más arriba Carnage está basada en una obra de Yasmina Reza, dramaturga francesa, quien con la colaboración de Polanski también es la encargada de hacer la adaptación para la gran pantalla. La premisa es muy sencilla, y quizás por eso resulta tan poderosa. Una crítica a la sociedad americana y su hipocresía, aunque se puede traspasar a cualquier sociedad media-alta, acomodada que se dedica a aparentar y a competir con las demás familias a ver quién es la más responsable, la más perfecta y la más idílica. Pero no existe la familia perfecta. Mediante una simple conversación primero convencional, donde todos ellos quieren parecer “adultos responsables y con una moral de clase media-alta”. Poco a poco se irán quitando las máscaras y mostrarán su verdadera cara, dejando la moral en el cajón de la mesilla de noche.

El film es arriesgado, Polanski se atreve a plantear la película como la obra de teatro, una historia a tiempo real que no a respiro y que siempre va increscendo. Un film que supongo igual que su obra de teatro homónima tiene los tempos muy marcados, milimétricos, pero que ha encontrado la fórmula perfecta, aunque por momentos se denote poca naturalidad. Por otro lado, toda la película menos el primer y el último plano sucede dentro de 4 paredes, dentro de un apartamento de Brooklyn. En Carnage se ve demasiado acartonado, demasiado teatral. Y no es teatral por haberse rodado en un solo escenario, es teatral, porque Polanski en este caso no acaba de sacar todo el jugo que podría haberle sacado (sino revisad The Death and the Meiden, un solo escenario y mucho mejor resuelta). Eso es más grave/imperdonable sabiendo que Polanski es un maestro en espacios pequeños y claustrofóbicos.

Otro elemento que resultan a la vez cara y cruz son las actuaciones. Con un reparto para quitar el hipo: Kate Winslet y Cristoph Waltz interpretando al matrimonio Cowan, padres del niño agresor; y John C. Reilly y Jodie Foster el matrimonio Longstreet, padres del niño agredido. Los personajes no dejan de ser clichés, la mujer ejecutivo, el abogado con el móvil en la oreja todo el rato, el empresario exitoso que empezó desde lo más bajo y la activista acomodada. Lo cierto es que funcionan, pero al hacerlos tan estereotipados para que funcionen los diálogos, se echa en falta una psicología más profunda. De esta manera son los momentos de más hilarismo, los que hacen más gracia, pero los que parecen por momentos más exagerados, por momentos al borde de la sobreactuación (sobre todo Foster y Winslet).

Como conclusión una película con un mensaje muy interesante, aunque no nuevo, con un buen reparto, que sin embargo quizás porque la propia Reza no acaba de saber adaptar su obra en otro medio, o porque Polanski no le acabó de sacar todas sus posibilidades, queda con un resultado agridulce. Supera a la media general; pero insuficiente tratándose de Polanski de quien me esperaba más mala leche, más oscuridad en una historia que se acaba siendo políticamente correcta.

Nota: 6/10

Eva, artificial y sin inteligencia

Eva es la nueva película de la factoría de jóvenes directores de la ESCAC (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Catalunya). Lo cierto es que la productora Escándalo Films (asociada a la ESCAC) nos tenía muy bien acostumbrados, aportando alguna joyíta como 3 Días con la Familia, y con un tipo de películas que con mayor o menor fortuna pretenden separarse de las comedias casposas españolas. Este año presentaban la ópera prima de Kike Maíllo, Eva, una película de ciencia ficción que visualmente se veía espectacular. A pesar de algunas opiniones contrariadas, la mayoría de buenas críticas y el teaser simple pero efectivo que había en la red desde hacía meses me llevaron a la butaca del cine.

Eva nos cuenta la historia de Alex un reputado ingeniero cibernético en un futuro cercano, el año 2041, que vuelve a su ciudad, Santa Irene, aceptando una oferta de trabajo de una antigua compañera. Su trabajo consistirá en crear un niño robot, concretamente la parte emotiva. Para ello buscará un ejemplo en el que basarse. Paralelamente, el pasado que dejó 10 años atrás volverá a él teniendo que resolver disputas con su hermano y sentimientos con su antigua novia, ahora con su hermano.

El film tiene buenas intenciones, consigue una buena ambientación, y consigue que nos podemos creer más o menos la situación. Un futurismo en cierta manera nostálgico, con unos coches que recuerdan más a los antiguos que a lo que imaginamos como el futuro. La fotografía cuidada y la banda sonora simple pero efectiva. Cabe destacar los efectos especiales, que sin ser nada del otro mundo, se nota el poco presupuesto, cumplen cuando son necesarios y los robots se ven naturales. Los efectos se convierten en lo mejor del film. En este aspecto Kike Maíllo y Escándalo Films arriesgan mucho, y en este caso lo acaban pagando.

Por desgracia decir que lo mejor de esta película son los efectos especiales y aspectos más técnicos no es buena señal. La ESCAC y las películas de Escándalo Films siempre se caracterizaban por ser muy austeras,producciones muy humildes pero con un buen guión y unas actuaciones suficientemente buenas para aguantar el film. Y en Eva es precisamente el guión y las actuaciones lo que hace aguas.

Si nos centramos en el guión, no es que está mal escrito, es más, creo que los dos primeros actos están bastante bien construídos, transmite lo que tiene que transmitir y el mensaje es claro, pero en el tercer acto, normalmente el que más recordamos y el que por tanto más cuidado debe estar fracasa estrepitosamente. Uno de los motivos es que no tiene clara en ningún momento el rumbo que quiere darle al film. ¿Qué es Eva? ¿Una película de ciencia ficción que se cuestiona el dilema moral de si los humanos tienen derecho a "esclavizar" a los robots por el simple hecho de ser su creador?;  ¿es un drama de personajes que no saben exactamente que quieren hacer en sus vidas en un futuro con robots que sirven de mcguffins? ¿o un misterio a resolver?
Eva no es un misterio a resolver, el misterio es demasiado obvio y aunque Maíllo está empeñado en pensar que su película puede aguantar cierta tensión tal y como nos lo demuestra su estructura en flashback esta es nula, porque el guión lo cuenta todo de forma demasiado evidente, casi tanto como una película infantil. ¿Es un drama de personajes? Quizás por unos minutos, parece lo más probable, pero todo se viene abajo, cuando estos personajes están desdibujados y tienen poca fuerza. Por tanto, por descarte parece que lo más sólido del guión es el dilema moral, lo malo es que es un dilema muy tratado en películas de ciencia ficción, y comparándolas, Eva queda retratada.

Las interpretaciones son muy flojas. No sé si porque los personajes no están suficientemente dibujados o simplemente que el actor que lo interpreta no llega a más. Daniel Bruhl interpreta a Alex el protagonista de manera correcta, quizás el mejor del triángulo amoroso. Marta Etura y Alberto Amann interpretan a la antigua novia y al hermano de Álex. La primera sigue con sus pobras actuaciones en las que solo sonríe y se muestra simpática, pero sin destacar demasiado. El segundo hace su peor actuación. El personaje de Amann no aporta nada relevante, es prácticamente insostenible y eso no ayuda. Quiero pensar eso, porque sin ser un gran gran actor, a mí en Celda 211 y en Lope me convenció. Claudia Vega interpreta a Eva, con una actuación que está al límite entre la sobreactuación de niño repelente y la simpatía. Por último, Lluís Homar interpreta a Max, un mayordomo robot. Homar cambia de registro y ofrece una actuación simpática, graciosa y diferente.

Como conclusión, el film es un "bluf". Te esperas mucho más de lo que después te da. Visualmente muy cuidada, pero con un torpe y descuidado guión. Al final solo te queda la sensación que lo mejor de la película es el gato robot y Lluís Homar.

Nota: 4'5-5/10

Mientras Duermes, él está ahí

Mientras duermes es la nueva película de Jaume Balagueró. El co-director de Rec1 y Rec2 vuelve esta vez en solitario con una historia de terror, pero que se desmarca claramente de las dos películas anteriores. En esta película cuenta con la inestimable ayuda de un monstruo interpretativo, Luís Tosar como protagonista para explicar una historia turbia, incómoda pero que resulta fascinante.

Mientras duermes nos sitúa en un bloque de piso barcelonés en el que conviven vecinos con un cierto poder adquisitivo. En esta finca vive Clara, una chica joven despreocupada y feliz que se ha acostumbrado a su rutina y que se levanta cada día con ganas de ser feliz; una familia con dos niños pequeños, una solterona… César, el portero del edificio de apartamientos, es un hombre infeliz cuyo objetivo y motivación en la vida es conseguir que los otros también sean infelices. César pronto se siente atraído y obsesionado por esa felicidad que transmite Clara y decidirá ponerle fin de la manera más cruel.

Esta película es un claro ejemplo de que las películas ambientadas en un bloque de apartamientos dan mucho juego. Siguiendo las claras influencias de un maestro en el suspense como Polanski, Balagueró propone un vicioso y macabro juego que nos situa como cómplices de César, un portero con una personalidad fascinante que poco a poco nos arrastra hasta lo que podríamos llamar nuestro lado oscuro o como diría Dexter Morgan nuestro pasajero oscuro. Como La Semilla del Diablo (Rosemary’s Baby) de Polanski, Balagueró y el guionista Alberto Marini construyen un thriller psicológico que va de menos a más desembocando hacia un clímax final cuidado y lógico.

La virtud a la vez que defecto del film es que en ningún momento la película es del todo original. Coge elementos conocidos, personajes conocidos y tramas conocidas para unirlas, mezclarlas y conectarlas de tal manera que funcionen narrativamente y que no parezca que nos está contando lo mismo que otras tantas películas. En este caso Mientras Duermes triunfa, consigue mantener el interés y mantenernos en la butaca atentos a los acontecimientos.

Personalmente, el protagonista me ha recordado a ese monstruo marginado, escondido de la sociedad que de alguna forma se obsesiona por una parte de ella y aunque hace cosas horribles consigue empatizar con el público. No he podido evitar ver en el portero César un Drácula en busca de Mina o el Fantasma de la Ópera obsesionado por captar la atención de Christine.

Luís Tosar como avanzaba al principio de la crítica vuelve a demostrar su potencial interpetando a César, un solitario portero con un pasado oscuro que se intuye a partir de las conversaciones su madre y un presente escabroso. Como es habitual brilla. La gran actuación de Tosar hace que las otras interpretaciones secundarias, como la de Marta Etura (Clara) quede un poco floja o simplemente no consigue ponerse a su a la altura aunque cumple como el resto.

Cono conclusión, Mientras Duermes es un producto interesante, donde Balagueró se deja de experimentos formales, deja la cámara más estable (cosa que yo personalmente le agradezco) y deja a la historia y a su protagonista todo el protagonismo.

Nota: 6/10

No habrá Paz para los Malvados; "Trinidad, Santos Trinidad"

Primero fui a ver La Piel que Habito y una semana después, No habrá paz para los malvados, y es que con la iniciativa de los días de la fiesta del cine hay que aprovecharlos. La propuesta de que con una entrada de la semana anterior te regalaran una invitación para ir el 26, 27, 28 de setiembre al cine por 2 euros es de lo más interesante. Sí que es verdad que ese fin de semana no se estrenaba nada interesante y que si ya se habían visto la última película de Almodóvar y El Árbol de la Vida había poco donde elegir. Yo he escogido No Habrá Paz para los Malvados y no me arrepiento.

No habrá paz para los malvados nos cuenta la historia de Santos Trinidad un policía alcohólico con un pasado oscuro que trabaja en la unidad de personas desaparecidas. El protagonista pronto se verá partícipe en un triple asesinato en un bar de striptease y prostitutas. Un triple asesinato que será investigado por homicidios, mientras nuestro protagonista descubre quienes son la gente del bar y que pretenden

El film no tiene ninguna sorpresa argumentalmente hablando. Coge un subgénero manido, el cine negro de manual, una historia vista, “detective” en horas bajas que por circunstancias X tiene que volver a trabajar y sacar información, y la desarrolla como marcan los cánones; en tres actos: una presentación del personaje y las circunstancias que le rodean; un nudo en el que el protagonista tiene un problema que resolver; y un inevitable desenlace que se puede intuir solo al leer la sinopsis o ver el tráiler, pero que no por ello resulta menos efectivo y/o impactante.

Aun así No Habrá Paz para los Malvados tiene mérito. Tiene mérito porque se convierte en un producto español diferente. Sabe mantener el ritmo en la mayor parte de la película aunque hacia la mitad hay un pequeño bajón. El film exige tu atención, en ningún momento te hace una recopilación de los hechos y las pistas con un flashback cutre o con un diálogo tontorrón como la mayoría de americanadas. Te exige que estés atento, te exige que tú ates los cabos, que te impliques igual que el protagonista.

El film además posee dos virtudes más a mi parecer: no se complica con una trama compleja que después no sabrá cómo resolver, y no crea tramas secundarias que después quedarán a medias. Puede considerarse SPOILER En este tipo de películas lo más normal es ver como el protagonista tiene algún interés amoroso, aunque la mayoría de veces acaba sobrando, y acaba lastrando el ritmo de la película para tener un final de relación forzado. FIN DEL POSIBLE SPOILER.

Urbizu es valiente con esta propuesta. No conozco su filmografía pero por comentarios leídos, creo que tendré que verla porque parece valer la pena. No busca la espectacularidad, ni grandes escenas de acción. Con un estilo austero y simple pretende dar una dosis de realismo y cierta veracidad a la película, y lo consigue, aunque juegue quizás demasiado con tópicos y clichés.

Quizás le falte un poco de profundidad en el personaje principal, pero eso se suple con una intensa y magnífica interpretación de José Coronado. La interpretación del actor se convierte en el pilar de la película. Un tipo que solo conocía de los anuncios de los yogures bifidus que hace una interpretación excelente, muy a tener en cuenta en los próximos Goyas. Él es Santos Trinidad. Santos Trinidad es No habrá paz para los Malvados. Lo acompañan en papeles muy secundarios Rodolfo Sancho, Juanjo Artero y Helena Miquel.

Como conclusión una película que sin sorprender muestra una propuesta valiente, seria y sobria.

Nota: 6/10

The Tree of Life (El Árbol de la Vida), un insuficiente ejercicio de estilo

El Árbol de la vida es una de las películas más polémicas de lo que llevamos de año. Como todas las películas de Terrence Malick, nos propone un acercamiento diferente a una historia mil veces contada. Las películas de Malick no son fáciles, pero por críticas y comentarios parecía que esta era más extrema que las otras. Antes de ir al cine me dijeron, ésta es una de esas películas que o la amas o la odias. No os imagináis mi decepción al final de la película cuando ni la amé ni la odié, pero vamos por partes.

El árbol de la vida nos explica desde el punto de vista particular de Malick la reflexión de Jack un hombre que recuerda su infancia con la estricta figura paterna y la tragedia de la muerte de su hermano mayor.

Para mostrarnos esta historia Malick no solo hace gala de la voz en off y de unos planos largos y unos movimientos de cámara pausados y harmónicos como hace gala a lo largo de su filmografía, sino que va un paso más allá. Malick apuesta por una película que apele a los sentimientos, que transmita sensaciones y que con la combinación de voz en off, una fotografía espectacular y una banda sonora sobrecogedora impresione al espectador. El único problema de esa arriesgada apuesta es: ¿qué pasa cuando el espectador no se impresiona y no queda embobado? ¿Qué ha fallado?

Aunque Malick se centre en las sensaciones, su objetivo no es dejar la trama de lado ni de lado, aunque cuando miras el conjunto, no funciona tan bien como las sensaciones que transmite. Malick pretende contar una profunda historia que se queda a medio gas. Con un discurso pseudo-filosófico religioso que por momentos absorbe, pero en otros momentos casi parece contradictorio.

El film se ha comparado con grandes obras maestras de la historia del cine como 2001: Odisea en el espacio. Tras verlo, me quedó la sensación de que era una mezcla mal lograda de las sensaciones transmitidas por Tarkovsky en El Espejo y la filosofía de Bergman en El Séptimo Sello, sin estar a la altura de éstos.

Visualmente como ya avanzaba más arriba es espectacular, la fotografía de Emmanuel Lubezki es muy buena y me parecía merecido que se llevara todos los premios que ahora empezarán. Alexander Desplat y varias canciones no originales para la película hacen el resto.

Párrafo aparte para SPOILER la secuencia en la que se nos muestra la creación del mundo y los dinosaurios. La unión y compenetración de imagen y música está muy lograda y es una gozada verlo en pantalla grande, pero para mí, la secuencia está forzada, y la película sin ella tendría más coherencia. FIN SPOILER

Interpretativamente todos cumplen pero ninguno destaca. Sean Penn se queda con muy pocos minutos en pantalla. Jessica Chastain, totalmente desconocida para mí, demuestra toda su sensibilidad y su dulzura que captura al espectador. Pitt está bien interpretando al padre estricto, pero al borde de la sobreactuación, forzado en algunos momentos. En cambio, los niños (los más pequeños y los más grandes) se muestran naturales y hacen agradable y entretenido el visionado de la película. Hunter McCracken, Laramie Eppler y Tye Sheridan son el alma de la película y los que consiguen transmitir más las sensaciones que viven.

Como conclusión el Árbol de la Vida es un brillante ejercicio cinematográfico pero una película que está lejos de ser redonda. Los elementos como la banda sonora, la fotografía… están muy cuidados pero en conjunto, aunque desprenden una belleza plástica que será difícil de volver a ver, flojea por una trama que nunca queda clara.

Nota: 6/10

La Piel que Habito

Me encanta que una película me sorprenda. Y a veces no hace falta una gran película para eso, sino simplemente desintoxicarte de toda la promoción pre-estreno e ir a verla sin demasiada información. Es lo que me pasó con La Piel que Habito; después de 1 mes incomunicada haciendo el Camino de Santiago (siento haber dejado el blog aparcado otra vez y sin las actualizaciones prometidas) de vuelta a la monotonía y a la universidad toca ponerse al día con el cine y antes de ver El Árbol de la Vida, quería ver la nueva de Almodóvar. Al no saber que esperar me ha sorprendido gratamente y aunque tiene fallos que más adelante intentaré comentar, posee una trama diferente y vemos a un Almodóvar bastante diferente sin perder sus marcas de autor.

La Piel que Habito nos cuenta la historia de Robert Ledgard, un cirujano plástico que tras la muerte de su mujer en un accidente se dedica a la investigación y la elaboración de una piel sensible pero a la vez protectora de las quemaduras. Para llevar a cabo la investigación utiliza a Vera, una chica que mantiene encerrada en su casa con la complicidad de Marilia, la cuidadora de éste desde niño.

La película va de menos a más en cuanto a ritmo de la acción. Durante la primera mitad el film está próximo a esas películas de terror de Roger Corman con Vincent Price como protagonista. Tiene ese punto de nostálgico, no me queda demasiado claro si buscado o simplemente encontrado. Un protagonista oscuro y tormentoso, con pocas palabras que esconde mucho más de lo que muestra su apariencia seca y silenciosa.

La historia resulta un poco inverosímil, pero eso no es el principal problema. Y aunque el giro de guión de la película puede pueda resultar algo forzado, no creo que resida ahí el principal problema, porque si durante la primera parte la película te hipnotiza lo aceptas y esperas expectante que más nos depara la película. El principal problema es que se vuelve efectista y como más aumenta el ritmo y la acción más convencional se vuelve la película hasta convertirse en un thriller de esos que se ve el final a leguas. Toda la atmosfera creada y toda la tensión va haciendo aguas poco a poco. A pesar del bajón de la segunda mitad, el film se puede considerar un thriller sólido, con un planteamiento atrevido que funciona.

Vemos a un Almodóvar contenido donde como decía una crítica en filmaffinity aquí la comicidad y el humor del director manchego es un hándicap y aunque la controla bien hay momentos que sobra. Parece que en principio la película no debería de sacarnos una sonrisa, y hay momentos como el final que esa sonrisa parece inevitable.

José Luis Alcaine propone una puesta en escena Visualmente espectacular, cuidada hasta el último detalle. La Piel que Habito tiene una curiosa utilización de la luz para dar textura a la piel de la protagonista y dar menos relieve y cierto toque artificioso a los escenarios buscando el contraste. La banda sonora de Alberto Iglesias es el complemento sonoro perfecto al apartado visual. Con un gran protagonismo del violín consigue crear una atmósfera crispante.

En el plano interpretativo todos los actores están muy correctos. Elena Anaya está deslumbrante y crea un personaje sólido, aunque un poco arquetípico y previsible. La sorpresa de la película ha sido para mí Antonio Bandera al que consideraba un actor mediocre y en esta película me ha convencido. Si que igual no es una interpretación de premio, pero se muestra solvente y nos regala una interpretación bastante buena. Además de Anaya y Banderas, Jan Cornet y Marisa Paredes interpretando a Vicente y Marilia elevan la calidad final del producto.

Como conclusión estamos ante una película diferente, de un Almodóvar diferente. Mejor, peor, eso es cuestión de gustos. Particularmente me gusta el riesgo que ha tomado en esta propuesta y me ha gustado la tensión del thriller durante toda la película hasta el final que se le ha desinflado un poco el producto. Aun así, tal y como está la cartelera, me atrevería a decir que es lo mejor que hay.

Nota: 7/10

Midnight in Paris, la magia de las noches parisinas

Midnight in Paris era la película que había reconciliado a Woody Allen con sus seguidores después de las flojas, muy flojas Vicky Cristina Barcelona y Conocí al hombre de mis sueños. Los seguidores de éste blog, y sobre todo los bloggeros que me tienen en facebook, saben que Allen no es santo de mi devoción. No me disgusta, tiene algunas películas geniales como Poderosa Afrodita, hay muchas con grandes críticas que no las he visto, pero lo encuentro un poco sobrevalorado. Quizás el querer hacer una película al año, hace que inevitablemente tenga una carrera irregular.

Midnight in Paris nos cuenta la historia de Gil quien con su prometida y los padres de ella viaja a París por negocios y placer. Gale es un joven escritor, nostálgico que sueña con haber vivido en los años 20 en París, rodeado de personalidades como Picasso,Buñuel, Hemingway, Scott Fitzgerald y otros intelectuales. Una noche en la que anda perdido por las calles parisinas, cuando tocan las 12 aparece un coche que le transporta a la época dorada parisina donde vivirá una aventura que el cambiará su manera de pensar y su vida.

Midnight in Paris va más allá que las otras anteriores películas porque además de el paseo turístico que también veíamos en Vicky Cristina Barcelona, nos construye un nostálgico mundo. La nostalgia del protagonista traspasa la pantalla y pronto el espectador se siente mucho más atraído por el París de los años 20 con todos esos nombres que por la sosa, vista y predecible historia de trasfondo sobre una pareja que no se entiende, pero que está junta por comodidad.

Woody saca el máximo rendimiento de una fantasía que con elegancia plasma a la pantalla. La originalidad de poder ver con nuestros propios ojos una visión idealizada de lo que hubiera podido ser una conversación entre Fitzgerald y Hemingway en un antro parisino a altas horas de la madrugada; o una fiesta de intelectuales, o unos diálogos con un joven Dalí y Buñuel, pasando por ver a Picasso discutir con su supuesta amante. Allen ha dejado volar su imaginación y nos ha conseguido hacer creer en un mundo a camino entre la magia y la nostalgia.

Ésta película se disfruta por sus secundarios. Todos unos papeles muy pequeños, pero de esos que dejan huella. Unos personajes que enriquecen la película y aporta matices. Ver copias de Scotts Fitzgerald, Zelda Fitzgerald, Hemingway, Picasso y Dalí entre otros es único y original. Y ver a actores como Adrien Brody haciendo de Dalí es impagable y te saca una sonrisa. La misma sonrisa que te saca una simpática actuación de Owen Wilson como protagonista. Sin ser una grande interpretación, consigue sacarse todos los tics y los vicios de sus películas cómicas, y ofrece una actuación madura. Marion Cotillard interpreta a Adriana, interés amoroso de Hemingway y amante de Picasso. Una femme fatale que cautiva a Gil nuestro protagonista con sutileza y elegancia. Otra gran actuación de la francesa de moda y de una de las actrices con más futuro de la actualidad. El reparto lo completan Rachel McAdams, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Michael Sheen y Nina Arianda como prometida, futuros suegros y amigos del protagonista en el París actual; y Yves Heck, Alison Pill, Corey Stoll, Tom Hiddleston, Kathy Bates entre otros.

Como conclusión, Midnight in Paris es una película simpática, curiosa y pasa en un abrir y cerrar de ojos. No es una gran película, ni una obra maestra, pero si te deja muy buena sensación al acabar de verla. Una sensación nostálgica.

Nota: 6/10

Ne Le Dis Á Personne (2006)... No le digas a nadie... pero esto es una gran película

Últimamente las únicas alegrías y sorpresas positivas que me da el cine provienen de nuestro país vecino Francia. No me entusiasma el cine francés, ni siquiera estoy al día, más allá de ver las 3 o 4 anuales que tienen buenas críticas y que todo aquel que esté un poco interesado en el cine mira. Lo cierto es que la carrera del joven actor y director Guillaume Canet está llena de sorpresas agradables. Ne Le Dis Á Personne es la segunda película dirigida por Canet, y lo cierto es que después de su trabajo en Pequeñas Mentiras sin Importancia, leyendo las críticas, y los 4 César a mejor actor, director, montaje y música pedían un visionado a gritos.

Ne Le Dis Á Personne nos cuenta la historia de Alex un hombre que ocho años atrás sufrió un brutal ataque donde asesinaron a su mujer. Alex vive encerrado en su monotonía y en el recuerdo de Margot su mujer, cuando un día recibe un email en el que puede ver a Margot viva. A partir de ese momento, Alex empezará una búsqueda insaciable para descubrir porque su mujer está viva y que se le escapó ocho años atrás; mientras paralelamente, el caso de su mujer se reabrirá por la aparición de dos cuerpos cerca del lugar del asesinato de su mujer.

La película es un thriller clásico. Un thriller europeo, de esos que están en peligro de extinsión, de esos que no tienen giros inútiles u excesivamente predecibles y típicos. De esos que no precisan de grandes explosiones y efectos especiales. Ne Le Dis Á Personne es un producto sobrio, con un ritmo pausado que sirve para desentramar todos los hilos de la historia y solucionar el conflicto con la suficiente elegancia que evita tomar la salida fácil. En cierta manera recuerda al thriller clásico por su estructura. Quizás peque de demasiado convencional en su división en actos, pero hoy en día es un gusto poder disfrutar de una película hecha con elegancia, gusto, sobriedad y solidez. Canet se muestra inteligente y muy capaz de mantener una tensión pesada y cada vez más sofocante. Solo parece tener un vicio que en algún momento puede resultar molesto, abusa quizás demasiado de los “momentos videoclip”, con múltiples escenas con una canción de fondo. En algunos momentos funciona muy bien, y le añade una aura mágica a la escena (véase momento U2 y su With or Without You) y en otros queda un pelín forzado y rompe un poco el ritmo y la tensión del thriller.

Canet escoge un gran reparto que años más tarde repetirían casi todos en Pequeñas Mentiras Sin Importancia. Interpretativamente François Cluzet se lleva la película a su terreno. El actor hace una actuación impresionante, se vacía y transmite en cada gesto de desesperación, esperanza, ilusión, miedo y amor. Cluzet construye un tipo corriente capaz de hacer cosas extraordinarias que por momentos le superan. Un tipo muy fácil de empatizar y ponerse en su lugar pues muestra claramente sus motivaciones y sus razón para hacer lo que hace. Cluzet está secundado por Marie-Josée Croze interpretando a Margot, André Dussollier, Kristin Scott Thomas, Nathalie Baye, François Berléand, Jean Rochefort, Gilles Lellouche, Olivier Marchal, Florence Thomassin, Marina Hands, Jalil Lespert, Jean-Noël Brouté, Philippe Lefebvre, Anne Marivin y Maxim Nucci entre otros, que crean el mosaico de personajes secundarios, unos secundarios más que correctos. Incluso se guarda un pequeño pero importante papel para él.

Como conclusión, Ne Le Dis á Personne es una película muy sólida y sobria. Un thriller elegante con aroma a clásico contemporáneo. Una trama inteligente y una gran interpretación del protagonista hacen el resto. Muy recomendable para todo aquel que quiera disfrutar de thriller hecho con gusto a la europea, alejada de las explosiones y las fantasmadas americanas.

Nota: 7’5/10

Polseres Vermelles, Intensament Vius!

A veces, muy pocas veces, aparece una serie en la televisión española o catalana que vale la pena haber visto. Podemos decir que es un fenómeno extraño teniendo en cuenta que los grandes productos dirigidos a masas y con éxito acaban siendo de una calidad pésima. Este año en Cataluña se estrenó Polseres Vermelles (Pulseras Rojas) una serie que con el paso de los capítulos se ha convertido en un éxito no solo de público sino también para todo aquel que de una oportunidad a otras series a parte de las americanas.

Polseres Vermelles explica la historia de un grupo de chicos que están ingresados en el hospital. Lleó, Jordi, Ignasi, Toni, Roc y Cristina son 5 jóvenes de diferentes edades que deciden formar un grupo. Lleó es el líder, un chico muy impulsivo y decidido; Jordi es el segundo líder, que sería el líder si éste no estuviera, un chico tímido y sincero; Ignasi es el guapo, un “chico malo” que esconde un gran corazón; Toni es el inteligente, un chico con síndrome de asperger que tiene la capacidad de hablar con Roc, un chico en coma, y que tiene una curiosa visión de la vida y los problemas; Roc es el imprescindible; y Cristina es la chica del grupo, una chica tozuda y decidida. Los 6 a pesar de algunas diferencias de carácter y choques de personalidades, los chicos crean una verdadera y sincera amistad. Juntos conseguirán superar sus miedos, sus problemas y conseguirán convertir su día a día en una aventura llena de energía.

La serie está dirigida por Pau Freixas y desarrollada por el escritor Albert Espinosa, ideólogo de películas como No me pidas que te bese porque te besaré, Heroes, Panta 4ª, Tu Vida en 65” entre otras. El mayor mérito de ambos es una cuidada elección de cásting y una dirección de actores asombrosa dada la juventud e inexperiencia del grupo protagonista. Ambos consiguen con una buena y cuidada puesta en escena unos diálogos sinceros en boca de los actores. Espinosa además consigue escribir con grandes dosis de optimismo una historia increíble, mágica e inolvidable.

La serie destaca por esa visión infantil-adolescente de los protagonistas. Una visión inocente de los problemas diarios, en algunos puntos ilusa y naif. La energía positiva que desprende cada conversación, la amistad, el espíritu de superación y las ganas de vivir y experimentar nuevas sensaciones se convierte en los temas que hacen funcionar la trama de la serie. Una serie que es ante todo muy humana y muy tierna; y que si eres capaz de mirar más allá de sus fallos que los tiene, una vez se empatiza con los protagonistas (cosa que se hace con cierta facilidad) ya es imposible dejarlos.

Interpretativamente si perdonas el hecho de que en algunos momentos, ciertas líneas del diálogo suenan artificiales, sobre todo en los primeros capítulos, debido a la inexperiencia de los jóvenes intérpretes, no hay peros. La convivencia real de los chicos antes de filmar para acostumbrarse y forjar una amistad verdadera se nota, y la espontaneidad y la complicidad está patente en cada mirada y cada gesto que parece trascender el simple guión. Alex Monner (Lleó), Mikel Iglesias (Ignasi), Joana Vilapuig (Cristina), Marc Balaguer (Toni), Nil Cardoner (Roc) y Igor Szpakowski (Jordi) son los que llevan todo el peso de la historia. Superan el reto con creces, todos ellos pero destacan la increíble actuación de Balaguer como un chico con un retraso mental, una actuación a la altura de la de un joven DiCaprio en Gilbert Grape. Además, los jóvenes intérpretes están secundados por actores como Llum Barrera o Andreu Benito interpretando a la madre de Roc o a un paciente, entre otros.

La serie tiene fallos, pero los 13 capítulos de la primera temporda, unos capítulos de una sorprendente, debido a la procedencia de la serie, duración de 40 minutos aproximadamente, son suficientes para ver que estamos ante una serie diferente, un proyecto arriesgado que rebosa vitalidad, inocencia, inteligencia y ternura.

Nota:7/10

PD: Si alguien está interesado, puede encontrar los capítulos con subtítulos en castellano con facilidad.

Un Cuento Chino (2011)

Conocemos la expresión “Cuento Chino” como sinónimo de mentira, engaño, de una historia maravillosa, increíble y que pasa los límites de la razón. Con esta premisa, el director argentino Sebastián Borensztein presenta la película Un Cuento Chino con Darín como atractivo principal.

Un cuento Chino nos cuenta la vida de Roberto, un hombre huraño, ermitaño y solitario propietario de una ferretería. La monótona y aburrida vida de Roberto cambia cuando conoce a un chino bajo unas extrañas circunstancias. Ambos se verán obligados a convivir y entenderse a pesar de las dificultades con el idioma, las costumbres y la manera de ser.

El film está construido en clave cómica en la mayor parte del desarrollo. Un humor sencillo pero resultón que hace entrañable la historia y los personajes. Aun así, la película peca de sencilla y repetitiva, pues una vez escuchas la broma 3 veces, a la cuarta ya no hace tanta gracia, aunque siga resultándonos entrañable y simpática. Un Cuento Chino además, en cierto momento, también pretende ir más allá y crear una tensión dramática ¿para empatizar aun más con el personaje?. Esa tensión dramática no acaba de estar del todo conseguida y creo que rompe la esencia de la película. Como he comentado al principio, la película juega con el hecho de que la propia película es un cuento chino, añadiéndole una pizca de magia, de inverosimilitud buscada que funciona a la perfección y que sirve como elemento de “originalidad” de la película. Por tanto queda forzado el hecho de poner drama realista en una historia que desde un primer momento no se presta a ello. Eso puede ser fruto de que el director y guionista no acaba de definir el rumbo de la película, o que quiere abarcar demasiadas facetas. La película resulta entretenida, aunque va de más a menos tornándose repetitiva y muy previsible.

Interpretativamente, Ricardo Darín aguanta el peso de toda la película. El actor argentino cumple, como siempre, pero hace un personaje que ya se lo hemos visto en otras películas. Quizás esa sensación viene porque no es un personaje memorable ni diferente a muchas otras películas de temática similar. Darín está secundado por Muriel Santa Ana e Ignacio Huang. Los dos sirven de complemento con sendas actuaciones a pesar de que se nota que todos son satélites alrededor del personaje de Darín.

Técnicamente en la película destacan ciertos fragmentos imaginativos e oníricos dignos de cualquier producción “moderna” francesa de películas post-amelie. La edición lastra bastante el ritmo de la película. Para definirnos al personaje de Darín y su monótona vida, la edición tendría que ser capaz de repetir las mismas acciones sin que el espectador notara esa repetición constante, y no lo logra. Un Cuento Chino tiene una buena banda sonora de Lucio Godoy y una fotografía de Rolo Pulpeiro.

Como conclusión, la película con un buen inicio plantea puntos interesantes y una idea que en lugar de ir hasta el final con ella, acaba volviéndose más y más convencional. Las interpretaciones son creíbles y notables, pero le falta la chispa que prometía su original y surrealista argumento.

Nota: 5/10

El jamón cocido de Sly

Ahí van un par de anuncios de Stallone para una marca japonesa de jamón. ¡Y vaya tacos de jamón! Si es que esa fuente proteíca de energia que hacía a Rambo y Rocky un par de todoterrenos capaz de vencér a todo el que se pusiera por delante.





Nada como volver a casa con un trozo de jamón cocido bajo el brazo.