Desde tierras norteamericanas se sigue rescatando el género del western e intentando por todos los medios que sea visto por los más jóvenes. El remake de el tren de las 3 y 10, la reciente True Grit y ahora Rango. Y que mejor que una cinta de animación (dirigida por Gore Verbinski) para ello protagonizada por un simpático camaleón y la voz de Johnny Depp.
Rango nos cuenta la historia de un camaleón que vive creando y representando grandes historias y aventuras en un terrario junto con un pez de plástico y una muñeca decapitada. Durante un viaje, su terrario cae en el suelo y su realidad se rompe. Perdido en medio del desierto y después de los consejos de un extraño armadillo irá a “Polvo” un pueblo decadente que se está quedando sin agua, dónde nuestro protagonista se tendrá que convertir en héroe y vivir una aventura real.
La película aunque a simple vista es de animación, esconde un western en toda regla. Ritmo narrativo y estilo propio de un género que a día de hoy no es el que más gente comulga en las salas de los multicines. Solo por eso hay que reconocerle su valentía en la propuesta. No faltan las persecuciones y la trama más destinada a un público infantil, pero es ante todo un western. Eso origina un pequeño problema con el target al que va dirigida la película. En principio es una película para todos los públicos y de animación, y parece que sea para niños, de hecho en la sala del cine todo eran niños acompañados de adultos menos yo y amigos. Pero la película rápidamente nos muestra su complejidad, una reflexión sobre la identidad, la crisis de un pueblo, la avaricia de los poderosos y un ritmo no tan acelerado como cabría esperar, y un humor bastante adulto, que distan mucho de ser una película para niños. Rango es una película para adultos, prueba de ello es que las únicas risas en el cine eran los de una madre, un padre y de mis amigos y yo. El hecho de que esté entre dos targets y que se publicite de algo que no se puede ocasionar decepciones y malentendidos.
Rango además es un gran homenaje a un universo fílmico pasado. A parte de las evidentes referencias a los westerns y los spaghetti western de Sergio Leone y su trilogía del Dollar, también vemos influencias de Chinatown en su trama detectivesca y un guiño a Miedo y Asco en las Vegas. Pero el minuto de oro se lo lleva el cameo del Eastwood animado con un carrito de golf con una caja llena de Oscars personificando el espíritu del oeste.
El film consigue armar unos personajes bien definidos. Desde el protagonista Rango, un camaleón con muchísima personalidad, valiente, extrovertido, simpático, patoso y con algo de suerte que bien podría ser un alterego de Jack Sparrow (supongo que de alguna manera se nota la mano de Johnny Depp en todo esto), pasando por su compañera de aventuras Habas (Beans), pasando por la malvada serpiente Veneno Jack y el oscuro alcalde, como todos y cada uno de los animales que habitan el pueblo de “Polvo”. Sin olvidarnos de los 4 búhos que relatan los hechos como si fueran mariachis.
Como conclusión estamos ante una película muy interesante de animación. Una animación a caballo entre la animación adulta y la infantil. Un producto atrevido, diferente y cuidado con una animación muy trabajada y con una gran banda sonora de Hans Zimmer y un pegadizo tema de Los Lobos que aporta frescura al western.
Nota: 7/10
Después de la buena acogida que recibió el año pasado Tiana y el Sapo, Disney ha decidido volver a competir con la animación de Pixar y de Dreamworks. Eso se nota al ver Tangled (Enredados) una revisión del cuento de Rapunzel, da la sensación que a diferencia del tímido y expectante regreso con Tiana y el Sapo, aquí han decidido echar toda la carne al asador, volver a hacer una película a lo grande. Eso sí, renovando un poco la historia made in Disney.
Tangled (Enredados) nos cuenta la historia de Rapunzel, una princesa con una mágica cabellera, que es raptada por la malvada Gothel una mujer sin escrúpulos capaz de todo para conservar su juventud. Mientras Rapunzel sueña con salir de la torre, aparece Flynn Rider un intrépido ladrón. Los dos tendrán que superar una carrera de obstáculos para cumplir sus sueños.
Esperaba encontrarme con el segundo resurgir de Disney, y las críticas leídas en internet y los comentarios con amigos así lo presagiaban, a todo el mundo le había convencido. Bien, a mí no. La película parece aspirar a convertirse en una comedia para todos los públicos tipo Adam Sandler; un taquillazo, y realmente lo consigue. Tangled (Enredados) no es nada más que una comedia tonta, estúpida, plana. El encanto del producto Disney por excelencia desaparece para dar lugar a una película con un ritmo rapidísimo, con un montaje a base de saltos de planos muy poco apropiado.
El guión tiene agujeros, más de los que suele tener una película de animación para todos los públicos pero destinada principalmente a los niños. Cuesta creerse que por iluminación la protagonista se dé cuenta que es la princesa perdida.
Paradójicamente aunque todo el mundo proclame que Disney vuelve con su técnica tradicional, no es así. En primer lugar prescinde de la animación tradicional 2D de toda la vida, para intentar competir, con poco acierto, con una animación más cercana a Pixar e incluso a Dreamworks que a la factoría de Mickey Mouse. El único elemento verdaderamente loable de la película y que destaca por encima de todo el producto es la banda sonora de Alan Menken. Menken, nombre asociado siempre con Disney, no falla y nos regala una vez más una banda sonora muy buena.
Incluso los protagonistas son poco carismáticos. La protagonista si hubiera sido a imagen real bien hubiera podido ser una Hannah Montana encerrada en una torre (más quisiera la humanidad). El personaje de Flynn Ryder por su parte se nos presenta como un chico simpático pero con pocos escrúpulos cuyo único objetivo es hacer dinero y vivir bien; hasta que conoce a Rapunzel claro.
Como conclusión, estamos delante de una pobre apuesta por parte de la Disney que sigue sin aclararse. Si apostar por historias sencillas pero bien contadas, con esa sensibilidad propia que parece que hace años que ha perdido; o decidir competir con la mayor modernidad en materia de animación (un objetivo muy muy complicado). Decepcionante.
Nota: 3’5/10
Never let me Go, en España conocida como Nunca me abandones es la nueva película de Mark Romarek en la que recoge a tres de los actores con un futuro, ya presente más prometedor: Kiera Knightley, Andrew Garfield y Carey Mulligan. Never let me Go es la adaptación de una novela homónima del escritor Kazuo Shiguro en el que mezcla la amistad y un triángulo amoroso con la ciencia ficción. La expectación era máxima, las primeras críticas extremadamente positivas la hacían posible candidata a los Oscars. Al final el producto se ha quedado en tierra de nadie, pasando bastante desapercibido, sin hacer demasiado ruido.
El film se centra en la historia de Kathy, Tommy y Ruth, tres chicos que pasan su infancia en Hailsham, un internado inglés, aparentemente idílico. A medida que van creciendo descubren un tenebroso e inquietante secreto sobre su futuro. Cuando abandonan el colegio y se aproximan al destino que les aguarda, el amor, los celos y la traición amenazan con separarlos.
No me he leído la novela, pero tristemente viendo la película te da la sensación que podría haber dado muchísimo más de sí; que tenía multitud de puntos conflictivos y jugosos y con los que jugar y que al final guionista y director han puesto la directa y han decidido abordar la película por el sobado género del melodrama dejando en un puesto demasiado secundario toda la ciencia ficción, y todos esos pequeños detalles que de estar explotados podría haber salido una gran película.
Uno de los puntos más débiles es el tratamiento de la ciencia ficción.El elemento, el factor que podría haber hecho de esta historia algo diferente a lo que hemos visto mil veces está mal estructurado, mal narrado y mal tratado. No soy seguidora del género, pero si lo estuviera estaría un poco enfadada. –ATENCIÓN VA A HABER SPOILERS PORQUE ES IMPOSIBLE ABORDAR LA CUESTIÓN SIN ELLOS- Cuesta de entender el comportamiento de las protagonistas una vez descubren que son clones y cuál es su función en su corta vida. La película no muestra con suficiente convencimiento cuales son los motivos por los cuales ninguno de ellos huye o intenta cambiar su destino. Y más viendo que se pueden mover y ver mundo. Todos se resignan.-FIN SPOILERS-
Por otro lado la película funciona con particular maestría en el relato de los tres niños adentrándose en la madurez, los conflictos entre ellos, el amor, los celos y la amistad por encima de ellos. A ello contribuye una gran fotografía de Adam Kimmel y una muy buena banda sonora de Rachel Portman. El director, Mark Romarek también demuestra su afán detallista y perfeccionista en una dirección más que interesante aunque en momentos fría.
Interpretativamente todos están bastante acertados. Mulligan y Garfield interpretando a Kathy y Tommy muestran su gran capacidad interpretativa y demuestran una vez más que si saben escoger pueden ser grandes actores en los próximos años. También hay que decir que el personaje de Kathy, protagonista de la historia, es el más agradecido y el más bien dibujado de los tres, pero Mulligan vuelve a demostrar sus tablas. Garfield cambia completamente el registro mostrado en The Social Network para mostrarnos a un personaje muy sensible. Knightley es la más floja del trío protagonista, quizás la antipatía que desprende su personaje en gran parte de la película, influye. Aun así buena actuación de Knightley que parece que deja a los piratas atrás. Además los tres protagonistas están acompañados por Sally Hawkings y Charlotte Rampling entre otras.
Como conclusión una película con una factura técnica impecable, un bonito melodrama pero un nefasto desarrollo de la ciencia ficción hace que nunca llegue a lo que espiraba ser, una gran película. Es interesante de ver, pero cuando acabas te queda la sensación de que la película es un quiero y no puedo.
Nota: 6/10
L'illusionniste (El Ilusionista) fue el tercer film nominado a los Oscars a mejor película de animación. A diferencia de los otros dos, éste es de procedencia europea, más concretamente francés, del director Sylvain Chomet. Mientras Dreamworks y Pixar ofrecían un poco de competición cuyo ganador se sabía desde el estreno de Toy Story 3, L’Illusioniste recibía la nominación como una de las pocas maneras de darse a conocer.
L'illusionniste es la historia decadente de un Ilusionista que viaja a cualquier lugar donde le ofrecen trabajo. El mago poco a poco se dará cuenta de que los tiempos han cambiado y que va siendo prescindible en una sociedad que quiere modernizarse. Solo en un viaje a Irlanda se encontrará una joven, inocente e ingenua que creerá en él y su magia. Ambos emprenderán un viaje juntos por otras partes del mundo para intentar transmitir esa magia olvidada. Los dos personajes serán los protagonistas de un relato que contará con payasos y ventrílocuos en el paro, subsistiendo en la misma pensión que los protagonistas. Dos personalidades las del ilusionista (gran parecido físico con el cómico Jacques Tati, realista pero ilusionado aun para mostrar su "magia"; y la de Alice, una joven que vive en un mundo de fantasías se retroalimentarán formando una dupla única.
Chomet es un director peculiar, sus películas no son películas que consuman el gran público. Son films que apenas poseen diálogo, y reconozco que si no sabes lo que vas a ver sorprende un poco. En esta ocasión con El Ilusionista pretende hacer un gran y sentido homenaje a Jacques Tati, cuyo guión adapta. Para los que no estén familiarizados con él, Tatí fue un mimo y cómico francés que creó un personaje memorable M. Hulot, un tío solterón que no se acostumbra a la creciente modernidad de los años 50 y 60.
L’illusionniste es una película nostálgica. Transmite la nostalgia de un clasicismo aplastado por la actual modernidad; nostalgia por esa época en que todos creíamos en la magia. Nos presenta un mundo caduco de ventrílocuos, payasos e ilusionistas que son totalmente abandonados. Un sector que deja de ser el encargado de entretener a las masas y se queda sin trabajo, sin ilusión y sin saber cómo seguir. Se puede interpretar como ese homenaje a esos cómicos como Jacques Tati que hacían simple, la comedia. Una comedia con humor blanco que hoy en día no tiene cabida dentro de una cartelera llena de comedias de humor zafio.
L’illusionniste es un film con una animación tradicional con impresionantes y cuidados dibujos de acuarela que nos vuelve a recordad esa tradición, ese clasicismo en oposición a las nuevas películas animadas en 3D y hechas totalmente en ordenador. Y no solo en la técnica, la película sirve perfectamente de reclamo por el cine tradicional ante las últimas novedades que en muchas ocasiones pervierten el producto. Destacar también una cuidada banda sonora que hace de contrapunto y acentúa el dramatismo de la película.
Personalmente creo que la película solo tiene un pero, una pequeña mancha que impide que sea una gran película. Y es que L’illusioniste es excesivamente pesimista. No deja lugar a la ilusión final, mata toda pizca de esperanza. Y abandona la idea que en un futuro las cosas pueden mejorar. De esta manera estamos delante de una película que transmite muchísimo, pero excesivamente deprimente. SPOILER Me parece demasiado extremo el hecho de quitar la ilusión a una niña cuando no “hace crecer el lápiz de color”, en la última escena cuando el simple hacerse mayor uno ya ve la triste realidad FIN SPOILER
Como conclusión podemos decir que L’Illusioniste ha sido la tapada de los Oscars. Y aunque no se haya llevado el reconocimiento, para mí es la mejor película de animación del año. Una animación para adultos, sin grandes diálogos, pero con grandes imágenes y dibujos que transmiten muchísimo más que la mitad de actores que trabajan en Hollywood. Preciosa, detallista, nostálgica pero excesivamente pesimista, deprimente y desesperanzadora; aunque siempre permanece ese toque mágico, ese CINE en mayúsculas
Nota: 8’5/10
Des hommes et des dieux, De dioses y hombres en España es una de las sensaciones del cine europeo de este año. La cinta francesa empezó a destacar con el premio del jurado de Cannes y a partir de ahí se ha dedicado a engordar el palmarés.
El film cuenta la historia de ocho monjes cistercienses que viven en armonía con sus hermanos musulmanes en un monasterio situado en las montañas del Magreb. Cuando una ola de violencia y terror se apodera lentamente de la región, los ocho monjes, a pesar del creciente peligro que los rodea, y la amenaza de los terroristas, deciden quedarse, cueste lo que cueste, haciéndose más fuertes cada día.
Hay que reconocer que Of Gods and Men es una propuesta cinematográfica diferente, incluso puede parecer anacrónica. Ritmo muy lento pausado, centrado en el realismo cotidiano de la vida de los hermanos en el monasterio. No solo es una propuesta arriesgada en lo que se refiere a formas donde Beauvois presenta una propuesta muy austera donde el protagonismo de la cámara pasa a recaer en las expresiones y las actuaciones de todo el reparto; sino en los ejes temáticos que trata: la política y la religión con dos resultados un tanto diferentes. El film pretende despertar conciencias, abrir mentes, denunciar comportamientos radicales e reivindicar posturas ejemplares. Habla de dioses y de hombres, de héroes y de mártires, de valientes y cobardes, de gente con fe y de gente que usa dicha fe; nos hace reflexionar sobre los unos y los otros, pero en ningún momento te da respuestas, porque trata temas pseudo-filosóficos y preguntas sin respuesta.
La película hace un retrato de un conjunto de monjes aislados de la sociedad conflictiva y solo vemos la evolución de la lucha armada mediante las acciones y las conversaciones de los protagonistas. Esta decisión potencia el lado humanista de la película y confirma que en realidad tampoco quiere tratar este tema con profundidad. Convierte un conflicto que siempre se ha analizado desde el punto de vista de una sociedad, una masa, un grupo de individuos a la afectación de este por un tratamiento casi individual en un grupo de personas tan reducido que las puedes identificar.
Donde no tiene tan buenos resultados es al tratar el tema de la religión, donde cae en los tópicos de la tolerancia y la bondad que parece que tenga que ser intrínseca en unos monjes que se han renunciado a las comodidades de su Francia natal para ir a ayudar a los pobres argelinos. Personalmente le he notado una moralina en algunos momentos que me parece innecesaria.
Of Gods and Men consigue hacer un retrato lleno de buenas intenciones con algunas imágenes poderosas y escenas con mucha fuerza dramática que respiran serenidad y paz interior.
Interpretativamente todos están muy correctos pero quizás destaquen más los personajes del hermano Christian, el protagonista, interpretado por un serio y reflexivo Lambert Wilson; el hermano Luc, interpretado por un Michael Lonsdale que se come a todos aquellos con quien comparte plano, creando y esbozando uno de los monjes que nos resultan más cercanos. El reparto lo completan Olivier Rabourdin, Philippe Laudenbach, Jacques Herlin, Loïc Pichon, Xavier Maly, Jean-Marie Frin, Abdelhafid Metalsi y Sabrina Ouazani.
Aun así, con sus pros y sus contras, es una propuesta más que interesante y diametralmente opuesta al cine espectáculo hollywoodiense. Con un ritmo lento y un tema poco atractivo (como mínimo para servidora), pero con un clímax trabajado y buenas interpretaciones.
Nota: 6’5-7/10
- Mejor película:
La mejor película del año es Black Swan (Cisne Negro), pero debido a que la victoria es cosa de 2, como siempre, lo previsible es que gane El Discurso del Rey. Aunque yo no descartaría que La Red Social de la sorpresa, tengo un pálpito.
- Mejor dirección:
Salvo sorpresa, bastante escandalosa, David Fincher recibirá esta noche el galardón a mejor director que hace años que se merece.
- Mejor actor:
Poco que decir sobre este galardón que hace meses y meses que está decidido. Colin Firth se lo llevará a casa.
- Mejor actriz:
Otro oscar cantado y merecidísimo que Natalie Portman ya huele desde hace unos meses.
- Mejor actor de reparto:
Salvo que el hype de El Discurso del Rey y Geoffrey Rush le quiten el galardón (siendo el campanazo de la noche/madrugada) otro oscar cantado para Christian Bale que hace que The Fighter sea una película pasable.
- Mejor actriz de reparto:
Aunque la interpretación de Steinfield se ha revalorizado, creo que va a ganar la favorita Melissa Leo. Creo que no sería justo que ganara Steinfeld, porque no es una secundaria en ningún momento, es la absoluta protagonista. Seguramente el hecho de que sea tan joven y el miedo a hacer un "Anna Paquin" hará que le den el galardón a Melissa Leo.
- Mejor guión original:
Aunque El Discurso del Rey va a ganar con autoridad, a este blog le ha parecido más arriesgado, valiente y atrevido el guión de Nolan de Origen.
- Mejor guión adaptado:
Merecidísimo reconocimiento para Aaron Sorkin por su gran trabajo en La Red Social que nadie le puede quitar.
- Mejor película de animación:
Servidora cree que The Illusionist es la mejor película de animación del año y que es bastante superior a Toy Story 3. Aun así, entiendo que la trilogía de Pixar merezca un reconocimiento y se lo lleve.
- Mejor película en lengua no inglesa:
La verdad es que de las nominadas solo he visto dos, así que no puedo opinar demasiado, pero algo me dice que Incendies se llevará el gato al agua. Sino la más firme alternativa es Biutiful.
- Mejor documental:
Sin haber visto las nominadas a excepción de Exit through the Gift Shop yo se lo daba a Waiting for Superman, el problema es que no está ni entre las posibilidades. La ganadora será Inside Job, pero reconozco que la propuesta del artista callejero Banksy es más que interesante.
- Mejor fotografía:
Parece que Roger Deaking ya tiene el Oscar en el bolsillo, y el vacío a películas que se lo merecen igual o más como Origen y Cisne Negro hace que no haya ni sorpresa ni emoción.
- Mejor montaje:
Este blog aun no sabe si le gusta más el montaje de Cisne Negro o de La Red Social, pero si tiene claro que este Oscar debería haber sido para Origen de estar nominado. Como no lo está lo más seguro es que se lo lleve La Red Social.
- Mejor dirección artística:
Esta categoría es cosa de dos: Alicia en el País de las Maravillas y El Discurso del Rey. Es probable que si El Discurso del Rey se confirma como ganadora de la noche este galardón también caiga en su poder.
- Mejor diseño de vestuario:
Este en cambio parece que se lo darán a Alicia, quizás para que no se vaya de vacío después de las malas críticas que tuvo pero toda la expectación que despertó meses antes de su estreno...
- Mejor música:
En esta categoría parece que la cosa está dividida entre El Discurso del Rey y La Red Social. Me encantan los trabajos de Desplat, así que no me importaría nada que El Discurso del Rey ganara en ESTA categoría.
- Mejor canción:
Premiar a We Belong Together significa premiar a You've got a friend in me así que es muy probable y justo que Randy Newman y los juguetes de Toy Story 3 se lleven el premio.
- Mejor sonido, Mejor montaje de sonido y Mejores efectos visuales:
Es triste ver donde han dejado a Origen, una de las mejores películas del año que parecía que iba a luchar entre las mejores y finalmente ha quedado un peldaño por debajo. Aun así creo que los tres galardones técnicos van a ser para la película de Nolan.
- Mejor maquillaje:
The Wolfman, el ridículo remake sobre la película de terror de los 40 parece que se llevará el Oscar. Lo más triste de todo es que se va a vender con un dvd en el que pondrá "ganadora de un Oscar" y la gente se creerá que es buena y merece la pena gastarse dinero.
El pasado 18 de Febrero se estrenó en España Black Swan (Cisne Negro) el nuevo film de Darren Aronofsky después de The Wrestler hace dos años.
Black Swan nos cuenta la historia de Nina Sayers una bailarina que después de mucho esfuerzo consigue el papel de protagonista en una nueva versión de El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky. La presión por parte de su opresiva madre, de su director escénico intentando sacar su parte más sexual y de la competencia con otras bailarinas, en especial la alocada y despreocupada Lily, provocará en la joven Nina trastornos psicológicos hasta el punto de ser incapaz de distinguir la realidad de la ficción.
La película comparte eje temático y otros puntos en común con The Wrestler, pero va un paso más allá. Desde una focalización interna y un punto de vista totalmente subjetivo nos adentramos con muchísima facilidad dentro del mundo de Nina. Vivimos con ella y sufrimos con ella la adaptación de la obra de Tchaikovsky de El Lago de los Cisnes del director Thomas Leroy y del propio Aronofsky; que tal como señala en boca del director de la compañía nos presenta una adaptación visceral y oscura. Mediante este “truco”, el director nos deja al aire que parte de la historia es una proyección de Nina y que parte sucede de verdad, aunque da algunas pistas a lo largo de la película.
Aronofsky nos lanza una serie de preguntas que incitan a la reflexión, como por ejemplo donde están los límites en la búsqueda constante de la perfección por parte de la protagonista; la respuesta de cada individuo ante la presión de la competencia; el inevitable anhelo de la belleza y la juventud asociada a ésta…
Técnicamente Black Swan es un producto muy cuidado con una extraordinaria fotografía de Matthew Labatique llena de contrastes que impregna de una fuerza visual a la película que es inusual. Clint Mansell por su parte es el encargado de reinterpretar las piezas de Tchaikovsky para convertirlo en una verdadera pesadilla asfixiante entre bambalinas.
Todos los elementos, narrativos y técnicos se funden mediante un ritmo vertiginoso, siempre in crescendo que nunca mira atrás. Black Swan es una de esas películas que va creando un clímax durante toda la película hasta desencadenar en el apoteósico final. Porque si una cosa positiva tiene Aronofsky es que él se arriesga y apuesta a muerte por su propuesta. Podrán ser más o menos acertadas; gustar más o menos, pero él siempre se moja y pone toda la carne en el asador en cada película.
Para hacer esta película, Darren Aronofsky bebe de los maestros. Viéndola es inevitable que te vengan varios nombres a la cabeza, entre ellos Polanski, Cronenberg y Lynch. El director americano hace un cóctel y le suma su estilo personal con preferencia para la cámara en mano para introducirte de lleno en la mente de un protagonista al que sigue en todo momento y del que consigue la empatía del público.
¿Es una película perfecta? Por supuesto que no tiene fallos como todas. Es verdad que el argumento no sorprende, pero tampoco creo que lo pretenda; es verdad que Aronofsky puede estar manipulándote, pero no es eso lo que queremos de una película, que nos la acabemos creyendo y viviéndola. La película aun sabiendo su siguiente movimiento y hacia dónde se dirige hipnotiza; te mantiene en tensión, en la butaca y con el cerebro dentro de la pantalla durante todos y cada minuto de metraje.
En el campo interpretativo, Natalie Portman campa a sus anchas. La actriz acepta el reto de interpretar una bailarina que para llevar a cabo el papel del cisne negro debe abandonar su inocencia y cruzar una línea que la hará convertirse en otra persona. Portman gradúa esta transformación de forma magistral con una gran interpretación. Merecidísima nominación y merecidísimo Oscar que recogerá la madrugada del próximo lunes. Además la actriz está muy bien secundada por Vincent Cassell que interpreta a Thomas Leroy el director de la compañía que ayudará a Nina a dar el paso definitivo. Aronofsky y los guionistas consiguen construir un personaje misterioso y atractivo. Barbara Hershey interpreta a la estricta y opresiva madre de la protagonista. Una mujer que pretende que su hija sea todo lo que ella no pudo ser. Winona Ryder interpreta a Beth, la bailarina que después de un éxito pasado, se queda sin el papel principal y pasa al olvido. Ryder hace una interpretación corta pero intensa. Por último Mila Kunis interpreta a Lily, una bailarina totalmente diferente a Nina; despreocupada, divertida, alocada, que carece de mucha técnica pero que en cambio muestra espontaneidad en sus movimientos que nunca se nos muestran como el sufrimiento de Nina.
Como conclusión una película que puede pecar de ser algo manipuladora y previsible, pero que también es valiente y arriesgada para llevar toda la acción siempre in crescendo a un final que está al límite del exceso. Grandes interpretaciones y una puesta en escena majestuosa te hacen ver la danza y el ballet de una forma espectacular y única. Para servidora es lo mejor del año.
Nota: 9’5/10
The Fighter es una película dirigida por David O. Russell que cuenta con Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo y Amy Adams en su reparto. La película ha gustado entre los críticos y académicos. Prueba de ello son las 7 nominaciones que ha recibido para los Oscars que se entregarán la semana que viene. De las siete nominaciones tiene casi dos en el bolsillo. Bale se llevará el de mejor actor de reparto seguro y Melissa Leo tiene muchísimas probabilidades de llevarse el de mejor actriz de reparto.
The Fighter nos cuenta la historia del boxeador Micky Ward y como su atípica familia jugará un papel fundamental para que el luchador consiga llegar a lo más alto. La historia se situa en la ciudad de Massachussets de Lowell, y ese suburbio formará parte de la historia. El día a día de Micky se ve ensombrecido por Dicky, su hermanastro y entrenador personal. Dicky es un ex boxeador que recuerda el pasado con nostalgia mientras no encuentra rumbo en su presente, juntándose con malas compañías y usando las drogas como escapatoria. Micky oprimido por su familia (hermanas y madre) encontrará apoyo en Charlene, una joven camarera que acentuará y dinamitará la relación conflictiva entre todos los miembros de la familia.
El film nos introduce a la acción de forma ágil, usando el hecho de que la HBO fuera a hacer un documental sobre Dickie para que el espectador empiece a empatizar con los personajes que salen delante de la cámara. Pero ese inicio que destacaba, pronto se ve devorado por una historia. El argumento de la película se podría dividir entre el camino de Micky de convertirse en un campeón; y el papel que juega su hermano Dicky en ese camino. Todo gira alrededor de Micky, pero como pasa en más de una y de dos películas pronto los satélites opacan a la estrella principal. Lo curioso y lo que mantiene el interés de la película nunca es la historia de superación del protagonista sino las variopintas reacciones de su madre, sus hermanas (que cuentan como un personaje único), y Dickie.
Aun así, The Fighter no nos cuenta nada nuevo. Es una producción mediocre, casi se podría categorizar de un telefilm de esos que gustan tanto; con una trama sobre el espíritu de superación y como superar las adversidades y los errores pasados de la vida mediante la perseverancia muy sobada a estas alturas. No arriesga, no aporta nada y seguramente se olvidará en poco tiempo. Quizás si hubieran explotado el filón de falso documental que introducen en contadas ocasiones hubiéramos estado delante de una historia vista pero contada de forma más fresca y original.
Lo único destacable son las actuaciones secundarias que mantienen a flote el espectáculo. Wahlberg que interpreta al protagonista Micky Ward, no lo hace mal pero le faltan tablas, en algunos momentos parece que se quiera volver a dedicar a vender calzoncillos, como hacía en sus años mozos. Otro dato que juega en su contra es que si miramos las últimas películas que se desarrollan en cuadriláteros (The Wrestler y Million Dollar Baby) queda muy por debajo de las actuaciones de Rourke y Swank. Su historia personal no acaba de tener el gancho suficiente más allá de ser un Rocky más formal e inteligente y menos ingenuo. Lo realmente interesante es la familia del protagonista variopinta, estridente y que menudo se acaba convirtiendo en un chiste. Melissa Leo interpreta a la madre de Wahlberg un personaje que si bien es llamativo, su presencia se nota y ella hace una gran actuación es un personaje al que le he echado en falta algunos matices más. Christian Bale quien se vuelve a someter en una transformación física e interpreta a Dicky el verdadero protagonista de la función. Hermano contradictorio, complejo, trabajado, bien escrito y bien interpretado. Una actuación por la que Bale recibirá un merecido reconocimiento. Por último Amy Adams interpreta a Charlene el componente de cordura para hacer frente a la familia del protagonista y para que nosotros como espectadores nos identifiquemos con alguien durante la narración. Buena actuación de la actriz.
Como conclusión una producción muy mediocre si la comparamos con la mayoría de películas nominadas a mejor película. Que se nos vende como una gran película y acaba siendo una más, sin ningún elemento destacable más allá de las actuaciones. No tiene una gran banda sonora, ni una gran fotografía, ni una gran dirección, ni un gran montaje. Todo correcto, satisfactorio, nada más. Si os digo que con las imágenes que salen durante los créditos con los protagonistas de la historia reales me lo pasé mejor y creo que emocionan más que las dos horas de películas creo que ya lo digo todo ¿no?
Nota: 6/10
True Grit, en España conocida por Valor de ley, es la nueva película de los hermanos Coen. Se está hablando mucho de la película, en parte gracias a su éxito de público y crítico en Estados Unidos y en parte porque es un remake de la película de Hathaway con John Wayne, quien recibió su único Oscar por esa película. Los Coen afirman que no es un remake, que simplemente es otra adaptación al libro de Portis en el que se basan ambos films. Pero lo cierto es que al ver el nuevo trabajo de los Coen te viene a la cabeza la película de 1969 dirigida por Hathaway y protagonizada por John Wayne.
True Grit (Valor de Ley) nos cuenta la venganza de Mattie Ross una joven que llega a Fort Smith para encontrar al asesino de su padre, el cobarde Tom Chaney. Para eso busca la ayuda del Marshall más despiadado, el viejo y borracho Rooster Cogburn. A ellos se unirá un Ranger de Texas, LaBoeuf. Los tres personajes formarán un variopinto trío que tendrá como objetivo capturar a Tom Chaney y la banda de “Lucky” Ned Pepper con quien se unió una vez en territorio indio.
Esta versión de True Grit no solo funciona como entretenido western, sino que también cumple la función de homenaje sui generis a un género que hace muchos años que no parece encontrar la fórmula para volver al éxito pasado. Todo este homenaje sin perder un humor de los Coen que por primera vez está un pelín escondido, sirviéndose básicamente de la historia e introduciéndolo en momentos muy puntuales. Yo se lo agradezco, otros encontrarán la película menos personal de los directores y la más comercial.
Los directores se dedican a acentuar el patetismo de los personajes, quitarles esa solemnidad que pudiera parecer caduca y darles otro matiz. Esta evolución se reconoce con mucha facilidad en los personajes de Rooster Cogburn y LaBoeuf.
Si se han visto las dos versiones del libro de Portis la pregunta es inevitable: ¿Cuál es mejor? Si yo tuviera que responder me quedaría sin duda con la de 1969, la de Hathaway. ¿Por qué? Reconozco que los Coen hacen un trabajo de síntesis genial en la escena inicial y le introducen un punto más poético gracias a la genial fotografía de Roger Deakins y una banda sonora minimalista. Pero ese afán para distanciarse de la otra versión o de ser más fiel al libro, y de sintetizar más la historia hace que los personajes no acaben de estar del todo definidos y matizados. El que sale peor caracterizado es LaBoeuf que aparece y desaparece sin mucha explicación lógica.
En buena medida las dos películas son ejemplos del cine de su tiempo. En 1969 Hathaway y Wayne prácticamente despedían el western y su edad de oro; con una película de tallo clásico. Mientras que este año, los Coen han intentado hacer un homenaje más que notable a un género ya extinguido desde un punto estilístico innovador.
Los Coen una vez más se rodean de actores competentes. Jeff Bridges que interpreta a Rooster Cogburn repite bajo la dirección de los dos hermanos y ofrece una muy buena actuación aunque algo “clicheada”. Matt Damon que interpreta a LaBoeuf, es una de las sorpresas positivas de la película. Creo que quitando a la saga Bourne (que no requiere un gran esfuerzo interpretativo) en esta película es donde lo he visto más convincente. El descubrimiento es Hailee Steinfeld quien saca adelante con mucha dignidad el papel de Mattie Ross un personaje valiente, atrevido pero joven y asustado por la vida adulta que tiene que afrontar antes de hora. Barry Pepper también cumple en su pequeño pero importante papel como Ned Pepper. Por último Josh Brolin interpreta a Tom Chaney. Digo interpreta por decir algo, porque se dedica a poner un acento exageradísimo y a sobreactuar todo lo que puede. ¿Alguien me puede nombrar una buena actuación de Brolin?
Como conclusión una buena película, que tiene fallos y que palidece respecto a la original, pero que se le tiene que reconocer el intento de hacer un western entretenido y de buena factura técnica.
Nota: 7/10
