Tinker Tailor Soldier Spy (El Topo)

Tinker Tailor Soldier Spy, en España conocida como El Topo, es un atractivo proyecto con un gran reparto de la talla de Gary Oldman, Colin Firth, Toby Jones, Mark Strong, John Hurt, Ciaran Hinds y Tom Hardy. Además es la segunda película de Tomas Anderson quien dejó a toda la crítica enamorada con su cinta de pequeños vampiros con Let Me In. Si a eso le sumamos buenas críticas que ha ido sumando y algún que otro premio para Oldman en asociaciones de críticos americanos, hace que su visionado sea más que atractivo.

El film, adaptación de la novela de John Le Carré, nos sitúa en los años 70 en plena guerra fría. Después de una misión especial en Hungría saldada con un gran fracaso, Control y su mano derecha Smiley son despedidos y otros llegan al poder de los servicios secretos británicos. Aun así, el trabajo de Smiley no ha terminado. El agente volverá a ser reclutado para investigar a los altos mandos de los servicios secretos británicos porque se sospecha que hay un topo. El agente Smiley tendrá que descubrir quién es.

Tinker Tailor Soldier Spy es casi tan compleja como decir su nombre en inglés de carrerilla sin encallarte. Es una película muy espesa. Muy espesa porqué aporta mucha información de temas bastante pequeños; y a la vez no te transmite claramente ninguna información verdaderamente relevante. Emulando la Guerra Fría, El Topo es una película terriblemente críptica, en la que no puedes desconectar ningún momento de la película porque es muy fácil perderse en la trama.

La trama principal de espionaje, el hecho de querer descubrir quién es el Topo funciona como un mcguffin para explicarnos la historia de unos hombres torturados por los secretos que guardan y los que filtran. Hombres que a lo largo de los años se han saltado la delgada línea que separa a buenos y malos, traidores y fieles, o patriotas o comunistas. La película se construye como una red, llena de hilos inconexos y complejas relaciones que conocemos de forma sesgada.

Todo esto no funcionaría si no fuera por una gran construcción del ambiente, la atmosfera gris, opresora que no deja ver nada de forma clara. Oscura y tremendamente fría como los personajes que hay en ella y como la guerra de contención que se vive. La fotografía de Hoyte Van Hoytema es fundamental para producir dicho efecto. Como también lo es la gran banda sonora de Alberto Iglesias, quien se está convirtiendo en uno de los mejores compositores en activo.

La película además posee un gran reparto que hace fácil (todo lo fácil que puede) una película que no lo es. Aunque paradógicamente nombres como Gary Oldman, Toby Jones, Colin Firth, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Tom Hardy, Ciarán Hinds o John Hurt pueden engañar algún tipo de espectador que entra esperando un producto al estilo Ocean’s Eleven con multitud de actores que lucen trajes y planta. El gran reparto cumple perfectamente su función. Y de entre todos esos nombres Gary Oldman destaca por encima del resto por su actuación y por ser el protagonista. El ya veterano actor británico hace una demostración de contención, en una actuación que esconde más de lo que muestra, como la Guerra Fría.

Como conclusión Tinker Tailor Soldier Spy es una película compleja contenida, pero que si la ves con interés te da lo que promete. De esas que en un segundo visionado le encuentras muchos más matices.

Nota: 8/10

The King's Speech (El Discurso del Rey)

The King’s Speech (El Discurso del Rey) es una película dirigida por el británico Tom Hooper y protagonizado por Colin Firth, Helena Bonham Carter y Geoffrey Rush (tres actorazos). Tenía unas expectativas muy altas, demasiado altas puestas en esta película que al final no se han visto cumplidas. La película venía con buenas críticas desde el otro lado del charco y la actuación de Firth ha sido premiada en la mayoría de asociaciones de críticos, así que me esperaba un producto a la altura. No es que sea una mala película simplemente que no es todo lo bueno que podría ser.

La película se centra en Jorge VI o Bertie para su familia. Jorge VI es el hermano pequeño de la familia, así que en principio el trono no debía ser para él. Jorge VI además es tartamudo por lo que se le hace una tarea imposible hacer un discurso para la población inglesa. Ese problema pasa bastante inadvertido hasta la muerte de su padre, el rey Jorge V, y la abdicación de su hermano Eduardo para poderse casar con una mujer no aristócrata. Paralelamente Inglaterra entra en guerra y se hace indispensable que el rey tome las riendas de su reino y hable a su pueblo. Para solucionar su problema Jorge VI y su esposa Elizabeth deciden buscar a un especialista que le ayude con sus problemas de dicción, Lionel Logue quien le propone unos métodos poco comunes para la época.

El film trata un tema anecdótico, los problemas de tartamudez del rey Jorge VI. Un tema que hubiera podido ser un interesantísimo punto de partida para hacer una película sobre la amistad o sobre la superación personal. Pero el film no tiene suficiente fuerza para transmitir, o no aprovecha la oportunidad cuando es sugerida en la película, y se queda en terreno de nadie. Se queda en un simple retrato preciosista pero frío de la monarquía y sus problemas. Al no profundizar cuesta empatizar con los personajes aunque hagan grandes actuaciones. Aun así el visionado es agradable y las escenas más triviales y simpáticas resultan las más gratificantes. El drama no resulta tal. En la única oportunidad que tienen para tirar de un filón (su condición de “marginado”) no la aprovechan por miedo a parecer demasiado melodramático.

Visualmente es impecable y la banda sonora está muy bien, pero no deja de ser un bonito envoltorio con un bombón más pequeño de lo que parecía. Quizás parte de la “culpa” sea del director Tom Hooper que proviene del mundo del telefilm histórico de la HBO con una puesta en escena detallista pero con falta de transmitir sentimientos. O simplemente ellos buscaban este tipo de película “perfecta” pero débil argumentalmente.

Las interpretaciones son tan buenas como prometían. Colin Firth interpreta a Jorge VI de manera que siempre veas al hombre no al rey o al príncipe. En su mirada, sus gestos y sus palabras ves sus miedos, y además consigue un creíble tartamudeo. Me sorprendería si no va a buscar el Oscar a mejor interpretación masculina, el año pasado se lo quitaron y este año toca recompensar y si además también hace una buena actuación... Helena Bonham Carter interpreta a Elizabeth II, la actual reina de Inglaterra unos 50 años más joven. Nada que reprochar, una actuación que devuelve a la actriz a las películas de época en las que empezó a destacar. Por último, Geoffrey Rush vuelve a demostrar que forma parte de ese grupo de actores secundarios que siempre destacan. Rush encarna al logopeda, un logopeda que consigue sacar toda la personalidad de Jorge VI y que se acaba convirtiendo en un gran amigo. La única lacra es que los personajes no tienen todo el desarrollo psicológico y toda la evolución que podrían tener debido a la poca profundidad del guión.

Como conclusión una película bonita, que seguro que la infravaloro un poco porque mis expectativas eran demasiado altas. Con tres grandes actuaciones y una trama anecdótica atractiva. Un montaje con mucho ritmo, la fotografía y la banda sonora hacen el resto.

Nota: 7/10

A Single Man

No sé exactamente lo que esperaba de esta película, lo que sí sé es que he salido encantada. Venía con buenas críticas y una Copa Vopli para Colin Firth (su protagonista) en el pasado festival de Venecia, pero por un motivo u otro siempre quedó un poco escondida detrás de Avatares, The Hurt Lockers, Precious y Up InThe Air (que por cierto se ha desinflado de manera sorprendente)

A Single Man, estrenada en España bajo el título Un Hombre Soltero, nos cuenta una historia ambientada en Los Ángeles en los años 60, en plena Guerra Fría. La historia de George, un hombre que trata de salir adelante después de la muerte de su pareja, Jim. La película nos cuenta un día en la vida de George, un día en el que se plantea el sentido de su vida sin su pareja con la que estuvo durante 16 años. Su día empieza como cada día, impartiendo clases de literatura inglesa en la Universidad. Durante ese día tendrá tiempo para consolar a su amiga Charley, con quien mantiene una relación de amistad muy peculiar. Una extraña pareja que se aguanta mutuamente durante los tiempos momentos. Ella divorciada, el viudo. Ella enamorada de él, él solo, sin ningún apoyo más allá de ella. También tendrá un encuentro fortuito con un guapo español que no sabe exactamente lo que va a hacer con su vida. Ese día servirá para saber si verdaderamente merece la pena intentar salir del pozo o bien cortar la cuerda para perderse en las profundidades para siempre. Y el que hace decantar la balanza es Kenny un estudiante que sentirá curiosidad y atracción por un profesor que en clase muestra una cara muy diferente de la que tiene fuera.

El punto fuerte del film es la fotografía y toda la parte visual quizás la influencia de su faceta de diseñador de moda le ayuda. Visualmente el film es deslumbrante, con fotografía del español Eduard Grau. El juego entre tonos y colores apagados para reproducir la sensación deprimente y la soledad del protagonista se contrapone de manera muy clara con colores y tonos cálidos y llenos de esperanza. La esperanza que le transmiten las personas que se preocupan por nuestro protagonista: el alumno, Charley, y el James Dean español mediante gestos, detalles, miradas... Cada fotograma parece un cuadro minuciosamente estudiado lleno de pequeños detalles, ordenado y estudiado. Quizás en algunos momentos parece que se recree demasiado y que no deje avanzar la acción, pero para servidora es una gozada.

El guión funciona y está bien estructurado. Y consigue con gran mérito hacernos olvidar que la difunta pareja del protagonista es un hombre y que por tanto se trata de una pareja homosexual. Porqué el dolor es el mismo para todo el mundo y el amor tampoco entiende ni distingue parejas homosexuales de heterosexuales. Porque es una película que trata sobre la soledad, el dolor ante la pérdida y sobre darse cuenta, parafraseando al protagonista, de que las pequeñas cosas son las que nos hacen seguir adelante sin importar las adversidades que hay que soportar a lo largo de la vida. Paradójicamente en ocasiones en lugar de mantener esta línea que funciona tan bien, cae en efectivismos como la homofobia del vecino. Aunque ese pequeño detalle está lejos de entorpecer la película.

El otro pilar en el que se basa la película son las actuaciones. Colin Firth demuestra que su Copa Volpi fue totalmente merecida y que ha sido de largo la mejor actuación masculina (sí, he visto a Jeff Bridges en A Crazy Heart). Firth, al que hemos visto sobre todo en comedias, demuestra que también se desenvuelve bien y con nota en el drama. También es verdad, por muy tópico que parezca, que el papel es un caramelo para el actor, una de esas oportunidades perfectas para que el actor se luzca. Con unas gafas de pasta, el Firth cómico y simple se transforma en un hombre con problemas, muchas dudas y moralmente destrozado. Por otro lado está Julianne Moore que aunque pasen los años y se le noten el paso de éstos, sigue estando muy elegante. Y lo que es mejor, su nivel interpretativo sigue siendo muy alto. Julianne Moore es Charley, la mejor amiga de George, un apoyo que al igual que el protagonista intenta seguir adelante recordando el pasado, sufriendo el presente y anhelando un futuro mejor. Aunque en un principio parecía que podrían tener oportunidades estas se desvanecen por la aparición de Jim. Aun así, Charley sigue apoyando en todo a su amigo y amor platónico George. Las divagaciones estirados en el suelo cigarro en una mano y bebida en la otra, es de lo mejor de toda la película. Nicholas Hoult es el encargado de interpretar a Kenny, el joven estudiante que abre los ojos del deprimido profesor, y le demuestra, aunque suene a tópico, que la vida es maravillosa. El chico cumple su cometido y muestra valentía al embarcarse en un proyecto como ese. Porque con la cara que tiene y lo joven que es se podría haber metido en Crepúsculos y cintas para adolescentes. Por último señalar el pequeño papel, del modelo español Jon Kortajarena. Mathew Goode intepreta a Jim.

Como conclusión un film algo lento, pero con una fotografía muy cuidada, unas de las mejores actuaciones del año y una historia contada con mucho amor y pasión de Tom Ford, que muestra buenas aptitudes y para mí se ha convertido de facto en un tipo a seguir los pasos. De lo mejor del año.

Nota: 8'5/10

Mamma Mia, fresca comedia veraniega

Mamma Mia llegaba este verano a las pantallas del mundo entero para intentar hacer frente a The Dark Knight, aunque no ha hecho tanto frente a la secuela de Batman, más bien ha servido para alternativa para esas personas que no le gustan las películas de superhéroes o para gran parte de un público adulto o femenino que le tira mucho el recuerdo de las canciones de ABBA que ver al hombre murciélago luchar contra el crimen en Gotham.

La película Mamma Mia se basa en el musical del mismo título que hace años se representa en distintos teatros del mundo.

Mamma Mia trata de una chica que está a punto de casarse. Nunca ha conocido a su padre y justo antes de darse el sí quiero, quiere hacerlo, por tanto, mientras se ultiman los preparativos de la boda, ella invita a tres novios que coinciden con la fecha que ha encontrado en su diario. Con esa simple idea y ese sencillo planteamiento, Mamma Mia se convierte en una comedia de enredos y malentendidos con situaciones de lo más cómicas. Todo esto con las canciones de ABBA de por medio para amenizar la "fiesta". Todo esto sucede en una exótica isla griega y bajo una fotografía luminosa y llena de colores y luces.

Más allá de si te gusta más o menos, es como mínimo complicado conseguir crear una historia juntando canciones de ABBA que en un principio no tienen nada que ver, con temas diferentes y sin conexión entre ellas.

Mamma Mia no es una gran película pero si es entretenida y te lo pasas bien en su cortita duración. La historia es tan simple que está vacía, pero teniendo en cuenta que este musical es un canal, una vía para homenajear canciones de ABBA que da un resultado correcto. Tampoco no se puede comparar este musical con los musicales clásicos de los años 30 o de los años 50 con Vicente Minnelli, porque en este caso más que en los demás las comparaciones la dejan a la altura del betún.

Este film tiene sus momentos buenos, puntazos o como uno/a quiera llamarlos y esos momentos en que quieres esconderte bajo las piedras. Sin duda lo mejor de la película son los comentarios de las dynamo, esas dos menopausicas mejores amigas de la madre de la protagonista que aun se sienten jóvenes para aventuras, una alternativa y soplo de aire fresco para cuando los dos caramelitos a punto de casar hacen su número en plan vigilantes de la playa o cuando cantan y bailan todos bajando del monte...eso me sobra un poco...

Cuando hablamos de un musical lo fundamental es el canto y las canciones. Últimamente en Hollywood ha aparecido la moda de que todo actor ya sea consagrado o empezando tiene que haber hecho o hacer un musical para sentirse completo, y en esta ocasión son Meryl Streep, Pierce Brosnan, Stellan Skasgard y Colin Firth. Meryl Streep actriz multigalardonada cumple su rol a la perfección, canta bien y se nota que se lo pasó en grande haciendo la película; Pierce Brosnan que interpreta a Sam uno de los posibles padres de la joven Sophie es de largo el más flojo y curiosamente el que le dan mas papel, no consigue quitarse la cara de soy Bond, James Bond, y bueno mejor no hablar de las interpretaciones de sus canciones, no tiene voz ni ganas... muy muy flojo; Stellan Skasgard interpreta a Bill otro candidato a papá de Sophie, este para mí es el más gracioso e interesante, canta muy poquito y tampoco se le da demasiado bien. Colin Firth interpreta al tercer candidato a papá y aunque no lo hace del todo mal lo veo un personaje bastante desaprovechado. Julie Walters y Christine Baranski interpretan a las amigas de Donna y al duo Dynamo, las más graciosas y locas sin duda de lo mejor de la película. Por último la protagonista Amanda Seyfried comple su función, canta bien y hace todo lo que puede en el plano interpretativo. Todo esto dentro de la simplicidad de todos los personajes.

Como conclusión una película con un planteamiento muy sencillo y simple que se convierte en una comedia simpática y fresca. Sin ser ninguna obra maestra ni película notable te distrae durante una hora y media.

El paciente inglés, cine épico-romantico de calidad

El paciente inglés es un film del recientemente fallecido director Anthony Minghella e interpretado por Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Naveen Andrews, Colin Firth y Kristin Scott Thomas.

Después de ver Escondidos en Brujas (In Bruges) y ver el papel de loco y sádico asesino pasado de vueltas que interpretó Ralph Fiennes, pensé en que a parte de estos papeles, también tiene una serie de papeles siendo el protagonista del típico drama romantico de época. Y la primera que me vino a la cabeza y que además necesitaba volver a ver era esta, el paciente inglés.

El paciente inglés empieza en la segunda Guerra Mundial, cuando un misterioso hombre es herido en un accidente aereo y sufre quemadas por todo el cuerpo. Al despertar, sufre amnesia. Durante un traslado, su estado se debilita, y una enfermera decide quedarse con él en un "castillo" abandonado. A partir de ese momento la historia se divide en el recuerdo progresivo del paciente, Almasy (Ralph Fiennes) y la vida de Hana (Juliette Binoche), la enfermera en el castillo. Ese castillo podríamos decir que hace de refugio a gente que en ese momento está destrozada, y que queren recuperar sentimientos perdidos. (SPOILERS) Almasy quere saber que significa esos pequeños detalles que han permanecido en su memoria, quiere unirlos, mientras que Hana quiere confirmar sea como sea que ella no provoca que la gente de su alrededor acabe muriendo, como ya ha pasado con su amiga y su marido (FIN SPOILER). a lo largo del metraje en esa casa aparecen nuevos personajes como Caravaggio y Kip, que en el fondo buscan ser queridos, y dejar de estar solos.

Rapidamente, el flashback y los recuerdos de Almasy pasan a convertirse la historia principal. Una gran historia de amor en el Cairo, con una mujer fuerte, con carácter, y con adulterio de regalo...Esa historia de amor apasionado se convertira rápidamente en celos y en una relación destructiva para la pareja. Mientras que ella siempre es conciente de la situación en que está, Almasy, por un momento se cree que todo puede ser fácil, que no será dificil seguir con la relación, hasta que sin darse cuenta cambia totalmente por los celos para acabar desquiciado, debido a que llega un momento que se olvida de lo que ella siente y solo piensa en él. Por otro lado en el presente mientras Almasy se recupera, Hana necesita alguien a quien apoyarse, para salir del pozo en que está metida. Y ese alguien lo encuentra en Kip, Sij, que desconecta bombas, creando así una bonita historia de amor, no tan pasional pero no por ello menos bonita.

Si a todo esto le sumas una buena banda sonora y una espectacular fotografia del desierto, uno se encuentra delante de una de las grandes películas épico-romanticas actuales, junto con Memorias de Àfrica... que no llega al máximo representado por Lo Que El Viento Se Llevó, pero está muy bien también.

Interpretativamente todos cumplen y de que manera: Juliette Binoche hace el papel de su vida destacando sin que tenga un personaje histriónico. Consigue lo más dificil, ser reconocida por interpretar a un personaje REAL, natural...y por eso fue recompensada con un Oscar. Ralph Fiennes nos regala otra gran interpretacion como la gran mayoria, dotando de una evolución palpable a su personaje, de tímido, observador, liberal a posesivo, celoso...también fue nominado pero no consiguió el Oscar. Kirstin Scott Thomas también hace una señora actuación reconocida con otra nominación al Oscar. Y los demás, cumplen pero quizás al tener menos relevancia o papel dentro de la historia quedan en un segundo plano sin llegar a brillar todo lo que podrían.

Como conclusión, película recomendable que a pesar del metraje, dos horas y media largas, no tiene ningún bajón de ritmo, no pierde interés, y nos deleita con dos historias de amor, de un tipo distinto cada una, a lo largo del film, una a modo d maravillosos flashbacks y el otro en el presente. Un film que empieza con gente destrozada, y que una vez acabada te puedes sentir perfectamente identificado/a y entender el porque actuan/actuaron así. Con sus siete Oscars, incluido el de mejor director, demuestra la gran calidad del film.