In Treatment (Temp. 1), conociendo nuestra mente y nuestra alma

Como ya sabréis, a principios de este mes de junio, mientas me mataba a estudiar, dejé de ver películas. Pero no podía estar más de dos días sin ver nada de calidad así que decidí empezar a ver una serie: In Treatment (En Terapia). No me acuerdo como acabé conociendo el nombre de la serie, supongo que buscando series que duraran media hora el capítulo, y vaya serie me he encontrado: una maravilla. Leí en un comentario sobre ella que esa serie mejor verla a poco a poco un capítulo al día, pero aunque lo intenté, una vez acabada la selectividad no me pude resistir a aumentar el ritmo. Hasta antes de ayer que acabé de ver la primera temporada.

In Treatment es una serie de la HBO desarrollada por Rodrigo Garcia que a su vez es un remake de la serie isrealita Be 'Tipul, que gira en torno al Doctor Paul Weston un psiquiatra al que seguimos durante su semana a través de sesiones con sus pacientes. De lunes a jueves recibe a cinco pacientes (dos de ellos en terapia para parejas) y el viernes es el propio Paul Weston el que va a ver a una amiga suya también psicóloga a contarle sus propios problemas. La primera temporada son 43 capítulos de 25 minutos aproximadamente. Esos 25 minutos conforman las sesiones de terapia de los pacientes. Acción prácticamente a tiempo real. Los lunes están destinados a Laura una mujer, médico, que aunque parece muy fuerte, es frágil y débil y está enamorada de Paul. Los matres están destinados a Alex, un soldado que voló una escuela en Madrassa y que decide ir a ver a Paul para que le solucione los sentimientos de culpa que niega tener. Un tipo competitivo, fuerte, perfeccionista que esconde grandes debilidades. Los miercoles son para la joven promesa de gimnasia Sophie, una chica que decide poner riendas a su vida durante la siempre difícil adolescencia. Y por último los jueves son para Amy y Jake una pareja que viene para tomar la decisión sobre cierto asunto y acaban destapando los problemas entre ellos y la crisi matrimonial que están inmersos. Finalmente los viernes es el turno de que Paul Weston vaya a ver a una antigua amiga y compañera de promoción para hablarle de sus problemas personales.

A priori una serie que tiene como decorado prácticamente fijo dos habitaciones tiene poco atractivo. Las mismas cuatro paredes, la misma estantería con sus libros, la misma mesilla... los viernes hay un pequeño cambio de decorado, cambiamos de casa, pero aun así cuatro paredes y dos sillones... Ese decorado fijo implicaba que no había acción, ni explosiones, ni asesinatos, era una serie que apostaba por mostrar la vida real. Había un gran peligro de caer en los errores de las series dramáticas mediocres que se pasean por las parrillas televisivas, pero en este caso el hecho de que los capítulos duraran tan solo 25 minutos era un punto a favor, nunca podría llegar a convertirse en un culebrón. Otro hecho que me tiraba para atrás o me hacía ser conservadora con mis expectativas hacia la serie era el hecho de ver solo la sesión de media hora con el psicólogo, pensaba que nunca podría llegar a ver la vida real de ellos, nunca llegué a imaginar que esa media hora de ataques y tensiones entre psicólogo y paciente serviría para que nosotros dieramos rienda suelta a nuestra imaginación e imaginar y conocer lo que les pasaría a los protagonistas una vez acabada la sesión, pero así fue. Esos escasos 25 minutos y esas cuatro paredes no ganaron a la imaginación personal, ni a que en algún que otro capítulo no siguieran el orden establecido a la primera semana.

In Treatment es una acurada radiografía a una sociedad actual, que aunque cada vez parece ser más y más liberal, muchas personas se ven oprimidas por sus familiares, por hechos dramáticos del pasado que les atormentan y nunca llegan a esa esperada libertad. Unas personas que bien podrían ser nuestros vecinos, personas que si bien no son como tú, es imposible no sentirte identificado/a en ciertas conversaciones. Unas conversaciones y unos diálogos sinceros, directos, reales, que ayudan a desnudar al paciente y que a su vez aportan mucha más información del psicólogo la relación psícologo-paciente. Unos personajes que son como animales heridos en busca de protección, algunos les cuesta más admitirlo, otros se lanzan directamente e idealizan al psicólogo pensando que les salvará la vida, cuando éste solo intenta hacerles ver en que situación están y que posibilidades tienen para pasar página.

La serie se sutenta por un magnífico guión que sin ser original y sin querer ser la quinta esencia consigue emocionar y sonar real, sus cambios de temas a lo largo de las sesiones de terapia no se ven forzados, en ningún momento tienes la sensación de que han metido un tema con pinzas, un guión en que las palabras tienen la misma fuerza que las miradas y los gestos... El otro factor que sustenta y eleva la serie al nivel de las mejores son las actuaciones, todas y cada una con más y/o con menos protagonismo, están simplemente perfectos, un reparto coral donde todo el mundo demuestra de que es capaz. El maestro de la función es Gabriel Byrne que interpreta a Paul Weston. Después de convertirse en un secundario de lujo y teniendo en su haber buenas interpretaciones como las de Miller's Crossing y Spider entre otras, encuentra en su alter ego Paul Weston el papel de su vida. Perspicaz, atento, directo, claro en sus decisiones y sus reflexiones sobre los problemas de sus pacientes pero totalmente confuso, lento y sobrepasado en los problemas personales con su mujer, Laura la paciente que está enamorada de él... porqué aunque vea muy claro el diagnóstico de los demás ha perdido el rumbo de su vida. Michelle Forbes interpreta a su mujer. Una mujer fuerte que le reclama más atención hacia ella y hacia sus tres hijos: Rosie (Mae Whitman), Max (Max Burkholder) e Ian (Jake Richardson). Melissa George interpreta a la visita de los lunes a Laura una seductora y guapa doctora enamorada de Paul. No os voy a engañar si esta historia es la que me ha gustado más, una mujer que intenta desarmar al psicólogo mientras este intenta refugiarse en su cara más analítica. Ella es también la encargada de dinamitar la serie cuando lo necesita. Blair Underwood interpreta a Alex, un piloto que después de matar a unos niños en Iraq y dado a que no tiene ningún sentimiento de culpa decide ir a ver a Paul. Un tipo perfeccionista que ni permite que nadie vea sus sentimientos, la historia más triste más dura, el personaje que más cambia, el más radical e impulsivo pero seguramente el que más ha sufrido. Mia Wasikowska, próxima Alicia del proyecto de Tim Burton interpreta a la gimnasta promesa olímpica que después de un accidente es obligada a ver a Paul para que le haga un informe diciendo que no se intentó suicidar, pero el motivo concreto es solo el preludio para unas intensas terapias. Embeth Davidtz y Josh Charles interpretan al matrimonio Amy y Jake dos personajes totalmente opuestos que cualquier pretexto les sirve para criticarse uno a otro. Ella una ejecutiva, él un escritor de canciones. Estilos de vida opuestos, opiniones opuestas... lo único que tienen en común es el amor que sienten uno por el otro, ¿pero será suficiente?. Por último tenemos a Dianne Weist interpretando a Gina, el contrapunto de Paul, otra visión de los mismos hechos, una mente que solo interpreta lo que escucha. Ella se ha llevado la mayoría de premios, porqué hace una interpretación espectacular, aunque los demás también se merecen reconocimientos, porqué si no estuvieran todos al nivel que están esto no hubiera funcionado.

Como conculsión In Treatment es como un plato de cocina moderna. Raciones muy pequeñas llenas de sabores, en este caso sentimientos, personajes presentes y que vienen a la conversación. Una pequeña dosis de magia, de buen hacer, que una lo disfruta como he disfrutado pocos productos. Me atrevería a decir que In Treatment es la mejor serie que he visto por encima de series como Perdidos, Dexter o Californication. Hará unos cuatro o cinco días que he acabado de verla y sigue presente en mi memoria y ahí seguirá hasta que no encuentre un producto que lo supere.

Nota: 9'25/10

DdUAaC: Mogambo (1953) / The Towering Inferno (1974) / Ladri di Biciclette (1948)

Diario de una adicta al cine (205)

Películas: (21 jun 2009)

· Mogambo -1953- (Mogambo). Dirigida por John Ford.

· Sinopsis: Un cazador profesional se encuentra dividido, durante el transcurso de un safari en África, entre una joven casada de apariencia rubia y gélida y una volcánica morena de turbio pasado: Victor Marswell es un cazador que dirige una compañía dedicada a la caza de animales salvajes en el Congo para venderlos después a los zoológicos de todo el mundo. Eloise Kelly es invitada por un magnate a pasar unos días allí y ambos se sentirán mutuamente atraídos. Poco después aparecerán por el campamento el señor y la señora Nordley para que Víctor les guíe hasta los gorilas para filmar un documental... (FILMAFFINITY)

· Reparto: Clark Gable, Ava Gardner, Grace Kelly, Donald Sinden, Eric Pohlmann, Denis O'Dea, Philip Stainton

· Lo mejor: El desarrollo paralelo de los personajes y Ava Gardner

· Lo peor: Su previsible y edulcorado final

· Comentario: Buena historia clásica de amor, venganza, celos, infidelidades. Con un reparto poco menos que espectacular donde todos cumplen pero solo una se come la pantalla, Ava Gardner. Un film el cual no se le puede achacar nada, buen hacer, buena dirección, buena fotografía... solo un pero, ese final conservador y típico hace que pierda bastantes puntos...

· The Towering Inferno -1974- (Colosso En Llamas). Dirigida por John Guillermin, Irwin Allen.

· Sinopsis: Varias personalidades y autoridades de San Francisco se encuentran en la fiesta de inauguración de un nuevo rascacielos de 138 plantas. Mientras los invitados disfrutan de la fiesta, que se celebra en el último piso del edificio, un suceso fortuito va a desencadenar la tragedia: un cortocircuito en un cuarto trastero del piso 81 provoca un incendio que se expandé a gran velocidad . (FILMAFFINITY)

· Reparto:Steve McQueen, Paul Newman, William Holden, Faye Dunaway, Fred Astaire, Susan Blakely, Richard Chamberlain, Jennifer Jones, O.J. Simpson, Robert Vaughn, Robert Wagner

· Lo mejor: Una película de catastrofe con guión, claro que fue en 1974, aunque se nota que tiene sus años, las maquetas y los efectos especiales siguen sin cantar demasiado y dan el pego... mucho mejor que tanto ordenador.

· Lo peor: Le sobra metraje.

· Comentario: Si el film hubiera durado 44 minutos menos hubiera sido un peliculón, el problema es que aunque tienes grandes momentos de tensión, como cuando la escalera se rompe y Newman y los niños tienen que intentar sortear obstaculos o el rescate del ascensor de McQueen o la escena final, la película no aguanta este ritmo asfixiante durante toda la película y hay un momento crítico en medio. Aun así interesante película de acción, un tipo de película (incendio dentro de un edificio) que se ha repetido en muchas ocasiones y se ha pasado en el peliculón de la tarde de Antena3 o Tele5...

· Ladri di Biciclette-1948- (Ladrón de Bicicletas). Dirigida por Vittorio de Sica.

· Sinopsis: En la Roma de la posguerra, un obrero en paro consigue un sencillo trabajo pegando carteles a condición de que posea una bicicleta. Obra maestra del neorrealismo italiano, y la más conocida de su famosa trilogía neorealista -junto a "Umberto D." y "Milagro en Milán"-, supuso una película clave de la posguerra que influyó notoriamente en muchos directores europeos. (FILMAFFINITY)

· Reparto:Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola, Lianella Carell, Gino Saltamerenda, Giulio Chiari, Vittorio Antonucci

· Lo mejor: Los dos protagonistas y la escena del restaurante simplemente magnífica mezcla de pesimismo e ilusión a la vez y la fotografía

· Lo peor: Esperaba más.

· Comentario: Quizás es porqué después de leerme varias críticas me esperaba más. No es que no me haya gustado, pero me ha sabido a poco. Después de una hora y media de dramatismo social que emociona y desgarra han aparecido los créditos, esperaba quizás una historia más desarrollada, poder conocer aun más a Antonio y a su hijo...

Trailer y Poster de Cold Souls

El otro día viendo el curiosísimo poster de Cold Souls hizo que me entrará curiosidad sobre de que iba la película. Pues bien, el film es una comedia metafísica de la debutante Sophie Barthes, donde Paul Guamatti es el protagonista de la función. El actor se interpreta a sí mismo como un actor inseguro que sufre de ansiedad ante su interpretación en la obra Tío Vania. Un buen día leerá un artículo en el New Yorker sobre una empresa de alta tecnología que promete aliviar los sufrimientos congelando el alma del sufridor. Así que decidirá contratar los servicios de dicha empresa para que congele su alma hasta que termine la función de teatro. Giamatti estará acompañado de un buen reparto donde destacan los nombres de Dina Korzun, Emily Watson y David Strathairn.

El trailer tiene muy buena pinta, parece un producto del estilo de Kaufman y Jonze. Espero que la película entera sea tan buena y deje tan buenas sensaciones como deja este poster y este trailer.

DdUAaC: Paint Your Wagon (1969) / Trees Lounge (1996)

Diario de una adicta al cine (204)

Películas: (19 jun 2009)

· Paint Your Wagon -1969- (La Leyenda de la Ciudad Sin Nombre). Dirigida por Joshua Logan.

· Sinopsis: Historia de una ciudad formada por buscadores de oro, se centra en las aventuras y desventuras de Ben y 'Socio' y la delicada esposa que ambos comparten. (FILMAFFINITY)

· Reparto: Lee Marvin, Clint Eastwood, Jean Seberg, Harve Presnell, Ray Waltson, John Mitchum

· Lo mejor: El equilibrio justo y perfecto entre los números musicales y el resto del film. Y para que engañarnos ver a Lee Marvin y a Clint Eastwood en un musical es tan delirante como espectacular su resultado

· Lo peor: Sus inevitables bajones de ritmo dado a su largo metraje, 2h 47min.

· Comentario: Ver a un pueblo lleno de hombres buscando oro bailar y cantar al unísono parece imposible y da la sensación de que destrozará esa imágen preestablecida de cuando Estados Unidos eran aun estados bastante independientes. Esta adaptación de una obra de broadway demuestra que no. Y para ello se sirve de dos actores de la talla de Lee Marvin y Eastwood que hacen una actuación memorable, sobretodo el primero.

· Trees Lounge -1996- (Una última copa). Dirigida por Steve Buscemi.

· Sinopsis: La ópera prima del actor Steve Buscemi es una alabada película independiente que narra la vida de una simpático perdedor en un barrio obrero. (FILMAFFINITY)

· Reparto:Steve Buscemi, Mark Boone Jr., Chlöe Sevigny, Bronson Dudley, Anthony LaPaglia, Elizabeth Bracco, Daniel Baldwin, Mimi Rogers, Brooke Smith, Carol Kane, Seymour Cassel, Debi Mazar

· Lo mejor: Los momentos entrañables y cómicos.

· Lo peor: Poco original.

· Comentario: Una historia vista ya. muchas veces, una historia de borrachos perdedores que esperan salir del pozo donde están metidos esperando una copa en el bar de debajo su casa. En el transcurso, sus amigos y compañeros intentan ayudar sin saber demasiado bien como hacerlo... Con algun gag muy cómico a la vez que tierno (el niño esperando el helado aun debe estar en la calle...) pero que no acaba de convencer para tener una buena sensación al final del film. Una película muy normalita que demuestra que Buscemi sigue siendo mucho mejor actor que director.

DdUAaC: Red River (1948)

Diario de una adicta al cine (203)

Películas: (18 jun 2009)

· Red River -1948- (Río Rojo). Dirigida por Howard Hawks.

· Sinopsis: Tras la Guerra de Secesión, un ganadero y su hijo adoptivo, supervivientes de una matanza llevada a cabo por los indios, proyectan trasladar diez mil cabezas de ganado hasta Misouri. Nadie hasta entonces había intentado trasladar tanto ganado

· Reparto:John Wayne, Montgomery Clift, Walter Brennan, Joanne Dru, John Ireland, Coleen Gray, Harry Carey, Noah Beery Jr., Harry Carey Jr., Paul Fix, Mickey Kuhn

· Lo mejor: John Wayne y un jovencísimo Montgomery Clift.

· Lo peor: Los primeros minutos, en la despedida del personaje de Wayne de su amada.

· Comentario: Aquí estoy intentando mirar esos famosos westerns de John Wayne y seguir curtiéndome viendo más y más películas. Red River es un interesante duelo entre dos generaciones Wayne y Clift dirigidos por un director como Howard Hawks. Un film muy entretenido, hecho bastante loable en un género como es el western el cual a veces tiene poco ritmo, que además de tensión y duelos tiene toques cómicos.

DdUAaC: Sunset Boulevard (1950)

Diario de una adicta al cine (202)

Películas: (17 jun 2009)

· Sunset Boulevard -1950- (El Crepúsculo de los Dioses). Dirigida por Billy Wilder.

· Sinopsis: Joe Gillis es un joven escritor de segunda fila que, viéndose acosado por sus acreedores, se refugia casualmente en la mansión de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo, la cual vive alejada de la realidad y sólo acompañada de su fiel criado Max. A partir de ese momento, la actriz pretende que Joe corrija un guión que ella ha escrito y que va a significar su regreso al cine. (FILMAFFINITY)

· Reparto: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb, Lloyd Gough, Cecil B. DeMille, Hedda Hopper, Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, H.B. Warner, Franklyn Farnum

· Lo mejor: Gloria Swanson.

· Lo peor: La insistente voz en off.

· Comentario: Aun no había visto está obra magna de Billy Wilder. La verdad es que es una gran película, Wilder es capaz de hacer un drama con tintes irónicos y satírico. De esconder un drama mucho más duro de lo que parece, crudo, cruel, sobre la decadencia, el darse cuenta que han pasado 20 años... Con grandes actuaciones, una gran dirección y que solo tiene un pero... una voz en off que en mi opinión a veces sobra o se hace un poco pesada.

DdUAaC: Shadowlands (1993)

Diario de una adicta al cine (201)

Películas: (16 jun 2009)

· Shadowlands -1993- (Tierras de Penumbra). Dirigida por Robert Attenborough.

· Sinopsis: C.S. Lewis (Anthony Hopkins), profesor de literatura de Oxford, es también un escritor de gran reputación. Soltero, vive con su hermano de forma casi monacal, totalmente desconectado de la vida real, encerrado en su mundo docente y de libros. Un día irrumpe en su vida Joy Gresham (Debra Winger), una poetisa estadounidense admiradora suya que, de viaje por Inglaterra, desea fervientemente conocerle en persona. (FILMAFFINITY)

· Reparto: Anthony Hopkins, Debra Winger, Joseph Mazzello, Edward Hardwicke, John Wood, Michel Dennison, James Frain, Peter Howell, Roger Ashton-Griffiths

· Lo mejor: Hopkins, y el hecho de no convertir la película en un dramón lacrimógeno.

· Lo peor: Fría.

· Comentario: Interesante film que muestra que Hopkins no solo es la cara de Hannibal Lecter sinó que tiene muchísimos más registros. Con una dirección clásica de Sir Robert Attenborough el film nos hace unas interesantes reflexiones sobre el papel del dolor en nuestra vida.

Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel

Mientras en el otro lado del charco disfrutan con la película Pixar del año, Up, aquí la taquilla se va quedando poco a poco sin carne en el asador. Porqué ya sabréis que España es el último país al que llegan las películas, dos meses o tres meses después, o incluso años, o en el peor de los casos ni llegan... En fin, dentro de la mediocridad, me decidí por ver el biopic de Coco Chanel. No es que me encante la moda, nada más lejos de la realidad pues entre a ver la película sin saber nada de su vida, solo sabía que fue y sigue siendo una figura muy importante en el mundo de la moda. Pero tengo cierta debilidad por los biopics, lo reconozco, me encantan, siempre y cuando esten bien hechos, así que decidí ver esta producción francesa con Audrey Tautou.

El film después de un corto prólogo donde nos cuenta su infancia en un orfanato, se centra en la juventud de Coco. Una chica que cantaba en los "cabarets" hasta que conoció a Balzan, un hombre de buena posición y adinerado con el que acabó viviendo. Pero su verdadero amor fue Arthur "boy" Capel, con el que tuvo un efímero y trágico romance. El film nos presenta a una Coco fuerte, libre, cabezota, con unos ideales muy concretos. Pero detrás de ese duro cascarón, se esconde una chica con muchos temores, que no ha superado nunca el hecho de ser abandonada. Una chica que solo quiere ser amada, solo quiere tener a alguien que cuide de ella.

Últimamente, los biópics no han sido más que la repetición de una fórmula. Dicha fórmula consiste en coger la vida de la persona a retratar centrarse sobretodo en la faceta de infancia dura, su afan de superación... para acabar con su llegada a la fama, su posterior deterioro hasta la muerte. Una vida a la que acentúan los hechos drámaticos para intentar introducirnos en su vida y ver lo miserable que es. Es una pena, porqué todos esos clichés que han ido cogiendo los biopics ha influido a su triste deterioro. Si nos centramos en Coco Avant Chanel aunque sigue los cánones, si que introduce algunas variantes, no todas ellas con resultados satisfactorios. En el film, no se ensañan tanto con sus miserias, se dedican a mostrarnos su fortaleza para sugerirnos su fragilidad. También intenta inovar con el tempo de la historia, en lugar de contarnos toda la vida se centra en la juventud de la protagonista, y aunque empieza con buenas linias y con ritmo, poco a poco se torna repetitiva, la trama no acaba de avanzar y llega a aburrir.

Una película como ésta es una oportunidad única para el actor que la protagoniza. Es un caramelo, es la oportunidad para reivindicarse, un papel que permite mostrar todas las cartas. Ese privilegio lo tenia Audrey Tautou, una mujer que ya dio grandes muestras de su capacidad en Amelie. En el papel de Coco Chanel, la actriz francesa deja que la pequeña Amelie crece y madura, deja su mirada llena de ilusión para convertirse en una mujer dura y fuerte, pero en el fondo y en el brillo de sus ojos sigue la ilusión de la propia Amelie. La actuación de Tautou no es mala, lo hace bastante bien, pero no acaba de explotar todas las posibilidades y no acaba de ayudar en el desarrollo del film. Los demás actores del film (Audrey Tautou, Alessandro Nivola, Marie Gillain, Emmanuelle Devos, Benoît Poelvoorde) nos muestran un abanico de personajes muy correctos de los cuales ninguno destaca por encima de otro, ni por importancia en el film ni por una mejor interpretación.

Al final lo mejor de la película acaban siendo los apartados técnicos. Por un lado la fotografía de Christophe Beaucarne. Y por otro la maravillosa banda sonora de Alexander Desplat. Desplat que perdió injustamente el Oscar a mejor banda sonora el año pasado por El Curioso Caso de Benjamin Button contra Slumdog Millonaire, demuestra que poco a poco va destacando en el panorama musical y que la calidad de esa banda sonora no fue por casualidad, sinó que forma parte de su largo repertorio.

Como conclusión otra pequeña decepción de éste año el cual aun no he visto una película realmente destacable. No me alarmo, soy consciente que de setiembre a diciembre viene lo bueno... Una película que aunque empieza bien, poco a poco va perdiendo fuelle en todos los aspectos y que al final solo acaba destacando la música y la fotografía.

Nota: 5'5/10

DdUAaC: Singin' in the Rain (1952) / Ginger e Fred (1985)

Diario de una adicta al cine (200)

Películas: (15 jun 2009)

· Singing in The Rain -1952- (Cantando bajo la Lluvia). Dirigida por Stanley Donen.

· Sinopsis: Antes de conocer a la aspirante a actriz Cathy Seldon (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen). (FILMAFFINITY)

· Reparto: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno, Douglas Fowley

· Lo mejor: Todo.

· Lo peor: Nada.

· Comentario:El musical por excelencia. Divertido, romántico, con grandes números ideados por una de las figuras más importantes del cine musical Gene Kelly muy bien acompañado y con un homenaje a los duros principios del sonoro.

· Ginger e Fred -1985- (Ginger y Fred). Dirigida por Federico Fellini.

· Sinopsis: Una pareja de bailarines que habían saltado a la fama gracias a su perfecta imitación de Ginger Rogers y Fred Astaire se reúnen años después en Roma para aparecer en un programa de televisión. El regreso de la pareja resultará bastante traumático para los dos. (FILMAFFINITY)

· Reparto: Giulietta Masina, Marcello Mastroianni, Franco Fabrizi, Frederick von Ledenburg

· Lo mejor: La pareja Masina y Mastroianni, y una historia sobre los tiempos pasados, sobre el paso del tiempo...

· Lo peor: Un prólogo quizás demasiado largo hasta que la historia no se vuelve realmente interesante y el director echa toda la carne en el asador

· Comentario: Curioso e ingenioso homenaje de Fellini a Fred Astaire y Ginger Rogers. Una película donde los silencios y las miradas, la mayoría de ellas nostálgicas deseosas de volver 30 años atrás nos cuentan una historia mucho más profunda que los diálogos. Cada vez me gusta más el cine de Fellini.

Trailer y Poster de La Mujer del Viajero en el Tiempo

La Mujer del Viajero en el Tiempo (The Time Traveler's Wife) es la adaptación del libro de Audrey Niffenegger del mismo título que salió el 2003. El flm llegó a interesar a directores como David Fincher, Steven Spielberg, Gus Van Sant... pero ha acabado en las manos de Robert Schwentke (Plan de Vuelo: Desaparecida). El guión adaptado viene de la mano de Bruce Joel Rubin que ya ganó un Oscar por Ghost.

La historia gira en torno a Clare y Henry, que forman una pareja aparentemente normal, se quieren e intentan ser felices. Sin embargo, Henry padece una extraña enfermedad que le impulsa a viajar en el tiempo, que le permitió conocer a Clare cuando aún era un niña y que lo condena a enfrentarse a su incierto, y acaso trágico, futuro.

El trailer nos deja una sensación de Deja Vu porqué por el argumento y lo visto se parece mucho a El Curioso Caso de Benjamin Button en versión simple, sin la mano de Fincher y con cierto aroma a película romántica ligerita, para verla una tarde. Dando la cara tenemos a la pareja formada por Rachel McAdams y Eric Bana, un actor que tiene mucho potencial pero no acaba de saber escojer los buenos papeles.

DdUAaC: Coco Avant Chanel (2009) / Miller's Crossing (1990)

Diario de una adicta al cine (199)

Películas: (14 jun 2009)

· Coco avant Chanel -2009- (Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel). Dirigida por Anne Fontaine.

· Sinopsis: Se centra en los años de aprendizaje de la gran diseñadora de moda y demuestra como una joven de una familia muy modesta, autodidacta pero dotada de una personalidad excepcional, llega a ser un símbolo de éxito y libertad, creando la imagen de la mujer moderna después de haberlo sido ella misma. (FILMAFFINITY)

· Reparto: Audrey Tautou, Alessandro Nivola, Marie Gillain, Emmanuelle Devos, Benoît Poelvoorde

· Lo mejor: La banda sonora de Desplat y la fotografía.

· Lo peor: Su lento ritmo.

· Comentario: Cada vez es más difícil hacer un biopic interesante y este como tantos se queda en la correctitud y no va más allá. Próximamente la crítica.

· Miller's Crossing -1990- (Muerte entre las Flores). Dirigida por Joel Coen.

· Sinopsis: En una ciudad indeterminada en el año 1929, la rivalidad surge entre dos amigos; Leo, un gángster que gobierna el lugar, y Tom, su ayudante. Cuando los dos se enamoran de la misma mujer, se genera una guerra abierta entre bandas en la que predominan las traiciones, los enfrentamientos políticos, las corruptelas y las escisiones internas. (FILMAFFINITY)

· Reparto: John Turturro, Gabriel Byrne, Steve Buscemi, Albert Finney, Marcia Gay Harden, Mike Starr, Richard Woods, Jon Polito, J.E. Freeman

· Lo mejor: El ritmo y el variopinto abanico de personajes con todas las magníficas interpretaciones.

· Lo peor: Más de lo mismo. Los Coen repiten la misma fórmula cambiando un poco la historia.

· Comentario: Si te gusta la fórmula Coen, la película te encantará. Personalmente aunque no son mis directores favoritos tengo que reconocer que me ha gustado bastante y junto con Fargo y El Gran Salto, la considero de lo mejorcito de los Coen. Las actuaciones de Turturro, Byrne, Finney, Gay Harden... incluso el "cameo" de Buscemi son espléndidos. En esta ocasión los Coen renuevan el cine negro, cambiándolo todo, sin embargo, en cada fotograma se ve ese pequeño homenaje, ese afán de los directores para que no se pierda nunca un género como es el cine negro.

DdUAaC: Wall Street (1987)

Diario de una adicta al cine (198)

Películas: (13 jun 2009)

· Wall Street -1987- (Wall Street). Dirigida por Oliver Stone.

· Sinopsis: Bud Fox es un ambicioso corredor de bolsa que gracias a su esfuerzo y el de su padre, mécanico y jefe del sindicato, consiguió terminar la carrera universitaria. Su mayor deseo es trabajar con el hombre que más admira, Gordon Gekko, un individuo hecho a sí mismo sin escrúpulos y que en poco tiempo ha conseguido reunir una gran fortuna en el mundo de la bolsa. Gracias a su tesón Bud consigue introducirse en el círculo privado de Gekko y colaborar con él en sus negocios. (FILMAFFINITY)

· Reparto: Michael Douglas, Charlie Sheen, Daryl Hannah, Terence Stamp, Martin Sheen, Hal Holbrook, Sylvia Miles, Richard Dysart, Millie Perkins, Annie McEnroe, Sean Young, James Spader

· Lo mejor: Michael Douglas

· Lo peor: Charlie Sheen

· Comentario: Entre el premio de la AFI a Michael Douglas y las noticias de posible remake del film, parecía que me dijeran mírate Wall Street, mírate Wall Street... así que esto es lo que he hecho. Me he encontrado en un film del montón, con diálagos y línias muy económicas que no ayudan a dar ritmo al film. Una película en la que solo es destacable el papel de Douglas y que el verdadero protagonista Sheen con una floja actuación se ve opacado por el primero.

La Tumba de las Luciérnagas, ¿Por qué las luciérnagas mueren tan pronto?

Habiendo visto ya Coraline, la que parece ser una de las mejores películas de animación del año, y que a mí me decepcionó un poco, no tanto porqué no me gustara, una película con una perfección formal y una historia con puntos macabros no es nunca una mala historia, pero si que es verdad que me supo a poco seguramente por las expectativas; decidí ver una de esas películas que formaban parte de esa larga lista que todo cinéfilo tiene, sí las pendientes. En esta lista había La tumba de las Luciérnagas, y pensé en verla y así aprender más de la animación japonesa que estoy muy verde. Y vaya sorpresa me he llevado, vaya peliculón.

La Tumba de las Luciérnagas nos cuenta la historia de dos hermanos Seita y la pequeña Setsuko durante la Segunda Guerra Mundial. Una durísima película que nos cuenta como el joven Seita de 14 años tiene que madurar de golpe para ayudar y cuidar a su hermana pequeña, dos hermanos que tienen se enfrentan al desprecio de un familiar suyo, que tienen que ir a vivir solos, debido a la muerte de su madre alcanzada durante un bombardeo americano. Dos niños que tienen que robar para sobrevivir, dos niños que sufrirán los horrores de la guerra, no solo los bombardeos y la muerte de sus seres queridos sinó también el egoísmo y las barbaridades que se hacen pensando más en uno mismo que en el que está en peor situación.

Esta película más que otras no es para niños. La pueden ver porqué no hay violencia y no se ven las muertes de las guerras de forma demasiado impactante, pero el mensaje, toda la historia les queda grande. Uno/a tiene que saber un poco de que va la Guerra Mundial para verse realmente y experimentar con los protagonistas todo el dolor y todos los moments por los que pasan. Disney aunque hizo muy buenas películas, dejó, sin querer o queriendo, ese Sambenito de que el cine de animación es para niños y aunque Pixar ha demostrado que es más que eso, no ha conseguido una historia tan madura como esta de Isao Takahata.

Nunca dos "miradas animadas" habían sido tan transparente, mientras Seita sabe que la Guerra puede significar lo peor y se ve obligado a robar para comer, Setsuko, aunque muy asustada por los bombardeos que ve con sus propios ojos, nunca pierde esa pizca de esperanza, ese brillo. Una esperanza que el propio director Takahata se encarga de destrozar desde buen principio con un film pesimista, que nos muestra una realidad desoladora. Pero dentro de esa atmósfera pesimista, el director se encarga también de regalarnos momentos de felicidad. Esos momentos y esas pequeñas cosas a las que no le damos importancia, esas cosas que sabemos que siempre tendremos, como por ejemplo una sonrisa de un ser querido, un abrazo, una simple mirada, el estar ahí, el no sentirte solo, o un caramelo. Todos esos momentos hacen aun más triste el desenlace, cuando las luciérnagas que les han acompañado durante todo el camino van pereciendo y su luz que les guía hacía la supervivencia se acaba apagando.

El film denota claramente un anti-belicismo, una crítica a la guerra y a todas las conseqüencias que conlleva, una guerra contra civiles que poco tienen que ver con los conflictos internacionales. Per sobretodo el film transmite humanidad por los cuatro costados: una historia de dos niños perdidos en su ciudad, y perdidos porqué la situación los supera, pero que no por eso dejan de ser niños, y aunque también se muestra toda la irracionalidad en torno a la guerra, la humanidad y la dulzura de los muchachos prevalece.

Esta película no tiene una perfección formal como la que consigue hoy en día películas de Pixar, pero no importa porqué en este film lo importante es la historia, y lo cierto es que la historia es commovedora, dura y con un guión brillante. Además de una banda sonora de Yoshio Mamiyaque le ayuda a dar mayor dramatismo, unas notas que suenan con precisión en el momento adecuado y justo.

Como conclusión una gran gran película, personalmente se convierte en una de las tres películas de animación que más me ha gustado junto con El Rey León y Wall-E. Si Miyazaki es magia y Takahata es realismo y historias más duras, me quedo sin duda con este último aunque me queda ver mucho del primero antes de posicionarme seriamente. Una película que se convierte en uno de los más sólidos alegatos contra las guerras y sobre las barbaridades que suceden en esos años...

Nota: 8'5/10

DdUAaC: Hotaru No Haka (1988) / A Good Year (2006)

Diario de una adicta al cine (197)

Películas: (12 jun 2009)

· Hotaru no haka -1988- (La tumba de las Luciérnagas). Dirigida por Isao Takahata.

· Sinopsis: El joven Seita y su pequeña hermana Setsuko son hijos de un oficial de la marina japonesa. Durante la Segunda Guerra Mundial, ambos viven con su madre, pero un día, en un bombardeo, ellos se retrasan y no consiguen llegar al bunker donde ella los espera. Después del bombardeo los dos hermanos buscan a su madre, y Seita la encuentra muy malherida en la escuela que ha sido convertida en un hospital de urgencia. Poco después la madre muere y, tras una breve estancia en casa de su tía, ambos vagarán sin casa y sin rumbo, en una época donde la comida y la ayuda escasean. (FILMAFFINITY)

· Lo mejor: La dura historia, la banda sonora...

· Lo peor: Prejuicios por ser una película de animación.

· Comentario: No conozco casi nada de cine de animación japonesa y lo cierto es que después de la semidecepcion de El Viaje de Chihiro, tenía ganas de ver más. Después de ver La Tumba de las Luciérnagas no tengo ninguna duda que es una de las mejores películas de animación que he visto en mi vida... Próximamente la crítica. Por cierto, acepto más propuestas de expertos/expertas ;)

· A Good Year -2006- (Un Buen Año). Dirigida por Ridley Scott.

· Sinopsis: El experto en inversiones radicado en Londres Max Skinner (Russell Crowe) viaja hasta la Provenza para vender un pequeño viñedo que ha heredado de su tío, al que estuvo muy unido en su niñez. Max se embarca de mala gana en lo que, a la postre, resultará ser un nuevo y estimulante capítulo en su vida, cuando empiece a darse cuenta de que merece la pena saborear la vida. (FILMAFFINITY)

· Reparto: Russell Crowe, Albert Finney, Tom Hollander, Freddie Highmore, Marion Cotillard, Valeria Bruni Tedeschi, Didier Bourdon, Abbie Cornish

· Lo mejor: Albert Finney y los paisajes.

· Lo peor: Insulsa película 1000 veces vista.

· Comentario: Iba pensando que vería una comedia ligerita, así sin demasiadas expectativas, pero lo que pensaba que se iba hacer visible y con ritmo, se ha convertido en una película lenta, con muy pocos momentos que te roban una sonrisa. Donde solo se salvan de la quema la fotografía, no era muy complicado con semejante paisaje, y Albert Finney.

Trailers de The Private Lives of Pippa Lee y Shutter Island

Bueno, por fin he acabado la selectividad, realmente una se quita un peso de encima. Ahora toca ponerse al día que llevo más de 10 días sin catar ninguna película... Y hoy me llevado dos sorpresas:

Por un lado, ha salido el trailer de The Private Live of Pippa Lee, un film que a pocos llamará la atención, pero que el reparto formado por Robin Wright Penn, Keanu Reeves, Julianne Moore, Alan Arkin, Winona Ryder, Maria Bello y Monica Bellucci la torna interesante. La directora encargada de dirigir a todo este plantel es Rebecca Miller, hija de Arthur Miller y mujer de Daniel Day-Lewis... para los fanáticos a los Oscar fue la mujer que se presentó con el vestido más cutre en la ceremonia de hace dos años (vale comentario maruja del día xD). El film trata de Pippa Lee, una mujer en la plenitud de su vida. Casada con un exitoso editor, mucho mayor que ella, madre de dos hijos ya crecidos, una generosa anfitriona y una excelente cocinera. Pero por dentro Pippa está muy lejos de ser plenamente feliz, y su pasado saldrá a la luz... Tiene pinta de tragicomedia independiente, de éstas que puede salir lo mejor o lo peor.

De Rebecca Miller vi La Ballada de Jack and Rose, principalmente porqué salía Daniel Day-Lewis y Catherine Keener. No es una gran película, pero es interesante echarle un vistazo, aunque se nota que le faltan tablas...

Por otro lado ha salido el primer trailer de lo nuevo de Scorsese: Shutter Island, lo que promete ser un thriller de terror psicológico de los buenos. Con una estética un poco alejada de lo que nos tiene acostumbrados el bajito director, pero no por ello menos espectacular, nos contará como su inseparable Leo DiCaprio se pondrá en la piel de un sheriff que investiga una misteriosa desaparición de una mujer internada en un psiquiátrico. a misteriosa isla, Shutter Island. Ésta será la enésima colaboración de Scorsese y su protegido DiCaprio, en esta película acompañados por Mark Ruffalo, Ben Kingsley (siempre es bueno ver a sir Ben escogiendo bien los papeles), Michelle Williams, Patricia Clarkson, Max von Sydow, Emily Mortimer, Jackie Earle Haley... y aunque este trailer enseña quizás demasiado, sigo confiando en tito Martin.

El Crack, el cine negro español

En 1981 José Luís Garci, célebre director, guionista y crítico español que ha firmado títulos como El Abuelo o Volver a Empezar –ésta última galardonada con el Oscar a mejor película extranjera en el 1981, honor que se llevó por primera vez una producción española- intentó dar-le otra persopectiva al cine negro. Era una producción arriesgada: un género que estaba en horas bajas, un género que el público español no estaba acostumbrado a verlo como produción patria, y a ésto hay que sumarle pa complicidad de un proyecto de tal calibre. De ahí salió El Crack.

Garci, madrileño con familia asturiana mostró su afición al cine desde una temprana edad. Eso le llevó a los 20 años a escribir en revistas de cine como crítico. Además, Garci escribia historias de ciencia-ficción por las que fue galardonado. A partir de los años 70 empezaría a colaborar escribiendo guiones de cine, y a partir de 1977 empezaría su carrera como director. Una de las películas que más bien ha llevado el paso de los años es precisamente la que nos ocupa: El Crack el intento de Garci de hacer una película de cine negro.

El Crack usa a las películas americanas de espejo, se deja influenciar por ella y Garci lo hace visible con multitud de guiños. La película empieza con la presentación del protagonista, el detective privado Germán Areta. En un bar de carretera, mientras se está comiendo su cena pacíficamente, dos ladrones entran en acción. Germán lejos de ponerse nerviosos los dejá hacer hasta el momento idoneo para que él pueda tomar la situación. Con esa pequeña pero intensa introducción, el guionista (el propio Garci) hace un guiño a esos detectives siempre trajeados, con muchos secretos escondidos, ambiguos, serios y poco amigos de las bromas. Así es también Germán. El día siguiente ya en su oficina de trabajo, su ayudante – un personaje totalmente estereotipado que hace de contrapunto a Areta – le muestra un nuevo caso. Un hombre quiere encontrar a su desaparecida hija. Esa búsqueda llevará a Germán a un caso mucho más complejo, donde cada vez habrá más cabos sueltos, donde la corrupción y hombres poderosos estarán detrás moviendo los hilos. Donde nada es lo que parece ser. Paralelamente a la que parece ser la trama principal, Garci hace un minucioso retrato de lo sociedad durante los años 70. A este retrato ayudan todo el elenco de secundarios, pero sobretodo Carmen y su hija Maite. Carmen es una enfermera de la que nuestro protagonista se enamoró cuando estuvo en rehabilitación por culpa de algún acontecimiento pasado. Aunque normalmente el detective arquetípico del cine negro no tiene familia y su carácter osco no hace fácil su relación con las personas próximas a él, en este caso, Germán mientras espera la respuesta de Carmen se va ganando el corazoncito de su hija. Cuando parece que Garci ha caído en el peligro de convertir una película de cine negro en un drama sobre la sociedad española con un desarrollo lento, una explosión que implica la muerte de la niña, dinamita el ritmo, la vuelve centrar en la trama de la investigación, una trama que ya no abandonará hasta el final. Germán otra vez sin mostrar signos de debilidad, con una mirada sin escrúpulos quiere venganza. Una venganza que tendrá que cumplir en Nueva York, dejándo los escenarios de Madrid. Esto no es más que otro guiño al cine negro, el hecho de ir a acabar la historia en Nueva York para profesar su admiración, para acabarla donde empezarón y también acabaron las historias de Chandler y Hammett.

Uno de los elementos que más relacionan esta película con las americanas es el personaje del barbero, un hombre que vive para el boxeo – deporte rey entre los bajos fondos neoyorkinos – y que en cada afeitado cuenta las excelencias de Rocky Marciano y otros boxeadores del mítico Madison Square Garden.

Interpretativamente la película nos deja una gran interpretación de Alfredo Landa. Un actor que triunfo en un género más cómico, aunque también sorprendió en Santos Inocentes, pero que en esta película demuestra que sabe hacer mucho más que hacer reír a la gente. Asombrosa es su metamorfosis no solo comparando sus actuación de las otras películas con ésta, sinó también dentro de la misma. Muy diferente es su mirada, su comportamiento con Carmen y su hija de cuando está trabajando. Alfredo Landa está acompañado de María Casanova en el papel de Carmen, Miguel Rellán interpreta a Moro, el compañero de trabajo de Germán, y finalmente completan el reparto los actores: Maite Blasco, José Bódalo, José Manuel Cervino, Emilio Fornet, Raúl Fraire, Manuel Lorenzo, José Luis Merino, Mayrata O'Wisiedo, Manuel Tejada y Francisco Vidal.

Como conclusión, aunque se queda un poco lejos del nivel impuesto por el cine americano si es un curioso e interesante film que busca la empatía del espectador a base de “homenajes” hacia el género negro. Una película atípica dentro del cine español donde cabe destacar la interpretación de Alfredo Landa y una historia que si bien en alguna ocasión tiene un bajón de ritmo, la última media hora se torna emocionante e intrigante.

Nota: 6'5/10

PD: La crítica ha sido un copiar y pegar de un trabajo que entregué.

Ahora toca estudiar para la Selectividad

Ahora toca estudiar para la selectividad y dejar el cine en un segundo plano, aunque solo sea por unos días. Estos últimos días he estado más ausente y no he podido actualizar demasiado el blog. La semana que viene aun estaré más ausente. Tengo que empezar a estudiar en serio para prepararme la selectividad, y después de una semana intentanto no estudiar, ahora ha llegado el momento y teniendo en cuenta que el día 11 ya habré acabado, vale la pena este último esfuerzo. Así pues este blog no se actualizará o si se actualizará será con entradas programadas.

Así que si os pasais por el blog pensad que estaré echando humo, así:

Y rezad para que no me pase lo mismo que le pasó al pobre taiwanés xD

Lost (Perdidos). Temporada 1

Hace aproximadamente un año empecé a ver Lost por mi cuenta. Capítulo a capítulo, pero en septiembre tuve que dejarlo por falta de tiempo, llevaba . Ya sé empecé a verla muy tarde, oía todos los buenos comentarios, pero el hecho de que ya llevaba muchas temporadas y que cada una de ellas tenía 24 capítulos me tiraba para atrás. A parte ya lo dice el dicho: más vale tarde que nunca. La questión es que Cuatro me lo a puesto en bandeja... esas largas tardes de domingo que las pasas haciendo el bajo del sofa a delante la pantalla del ordenador se han visto rellenadas con los cuatro capítulos semanales, una manera relativamente rápida de ponerse al día. Hubiera preferido verlo en VOSE pero una vez te acostumbras a las voces tampoco es tan importante. Ver Perdidos a estas alturas es muy difícil y toda una peligrosa aventura. Peligrosa porqué cada dos por tres me como Spoiler, suerte que soy de olvido fácil y cuando me doy cuenta que lo he leído los olvido pronto, y también tengo que reconocer que no me he encontrado ni leído ningún gran Spoiler que me destrozara lo que me falta por ver que no es poco.

Como ya sabréis todos, Perdidos cuenta las experiencias de un grupo de personas que misteriosamente sobreviven a un accidente de un avión que realizaba el trayecto de Sidney a Los Ángeles. Pronto se dan cuenta que no están en una isla paradisíaca sin más. Descubren que esa isla guarda muchos secretos, osos polares, monstruos... unos secretos que se les muestran con contagotas, lentamente y éstos a su vez abren otro abanico con muchísimas posibilidades. Todo esto sin perder el norte, es decir sin perder la trama principal, la serie divaga por diferentes temas, pero nunca pierde su objetivo. Todas esas semanas de espera, para pensar, reflexionar e intentar descubrir que pasará se las debemos a J.J. Abrams creador de esta paranoia y Damon Lindelof guionista de la serie.

Lost a parte de poseer una buena trama tiene una estructura muy interesante. Mientras va mostrando su día a día en la isla, también explican a modo de flashbacks la vida de uno de los protagonistas. Con esto no solo consigue dejar respirar la trama más aventurera, sinó que además te cuentan el origen, el cómo eran antes, el cómo, y el porqué están allí en el momento... Abriendo dos linias temporales cada cual más interesante. Esto hace que cada uno tenga sus favoritos, aunque todas las historias mantienen el interés, todos los personajes son diferentes, algunos de ellos se construyen sobre clichés como un reparto multicultural, un drogadicto... pero los guionistas consigan ir más allá pero una tiene sus favoritos, personalmente creo que las mejores historias como mínimo hasta la fecha són: Sawyer, John Locke y Sayid. Si tuviéramos que buscar una palabra para definir la serie una de las que más sale es Adictiva, porque engancha y mucho. Cuantos más capítulos ves, más quieres seguirla.

Interpretativamente todos son un equipo. Aunque el protagonista en teoria es Jack, a la práctica en muchas ocasiones se ve opacado por sus compañeros, por eso creo que es mejor considerar que no hay protagonista claro y que se trata de un trabajo, muy acertado por cierto, coral, de todos: de Matthew Fox interpretando al doctor Jack, Evangeline Lily a Kate, Terry O'Quinn a John Locke, Josh Holloway a Sawyer, Naveen Andrews a Sayid, Jorge Garcia a Hurley, Maggie Grace a Shannon, Malcolm David Kelley al joven Walt, Yunjin Kim a Sun, Daniel Dae Kim a Jin, Dominic Monaghan a Charlie, Harold Perrineau Jr. a Michael, Emilie de Ravin a Claire, Ian Somerhalder a Boone.

Como conclusión sobre Lost (Perdidos) ya está todo dicho. Ahora a esperar que Cuatro ponga las demás temporadas. Consideradme una Lostadicta novata.

PD: Espero que a nadie de vosotros/as se le ocurra contarme ningún spoiler porqué os mato ehh xD

DdUAaC: Angel Heart (1987)

Diario de una adicta al cine (196)

Películas: (31 may 2009)

· Angel Heart-1987- (El Corazón del Ángel). Dirigida por Alan Parker.

· Sinopsis: Harry Angel, un detective privado de Nueva Orleans, es contratado por un misterioso cliente para que encuentre a un hombre desaparecido. Conforme avanza la investigación se suceden extrañas muertes, al parecer relacionadas con la magia negra y el vudú, y que implican a Harry de una manera cada vez más personal... (FILMAFFINITY)

· Reparto: Mickey Rourke, Robert De Niro, Charlotte Rampling, Lisa Bonet, Brownie McGhee, Stocker Fontelieu

· Lo mejor: Rourke, De Niro y el ritmo.

· Lo peor: Desenlace precipitado y las lentillas esas cutres.

· Comentario: Buen thriller que va enseñando sus armas a poco a poco, donde una búsqueda a priori sencilla se va complicando, con estraños rituales religiosos de por medio. En el plano interpretativo tenemos a un Mickey Rourke dando una de sus mejores interpretación de menos a más y un inquietante De Niro, cuando aun demostraba ser uno de los mejores actores y no se dedicaba a hacer los padres de la novia y productos sucedaneos.

DdUAaC: Coraline (2009)

Diario de una adicta al cine (195)

Películas: (30 may 2009)

· Coraline-2009- (Los Mundos de Coraline). Dirigida por Henry Selick.

· Sinopsis: Basada en la novela de Neil Gaiman, Coraline narra la historia de una niña que encuentra una versión mejorada de su vida en un universo paralelo al atravesar uno de los muros de su casa: sus padres son más considerados con ella... pero la maravilla dará paso al miedo y angustia. (FILMAFFINITY)

· Lo mejor: Da gusto que entre tanto 3-D alguien se atreva con el Stop-Motion.

· Lo peor: Que la animación siga con el Sanbenito de películas infantiles.

· Comentario: El director prueva que su éxito y su buen hacer en Pesadillas antes de navidad no fue flor de un día con esta oscura a la vez que tierna historia que es mucho más que una película para niños, es más, creo que un niño no ve muchas de las cosas que salen en esta película.