Europa también da premios: Melancholia triunfa en los EFA, mientras que Tyrannosaur gana en los BIFA

Europa se pone las pilas en esto de dar premios a lo mejor del año. Este pasado fin de semana se han repartido los premios de la Academia Europea de Cine y la industria de cine independiente británica también ha repartido sus premios, los BIFA.


El pasado sábado se repartieron los EFA (European Film Awards), en ella se preveía una lucha entre Melancholia y The Artist y en este caso la primera se llevó el gato al agua ganando el premio gordo a mejor película además de dirección artística y fotografía; mientras que la segunda se ha quedado con el galardón de mejor película. Otra ganadora de la noche fue The King Speech (El discurso del rey) quien se llevó mejor actor, mejor montaje y premio del público. Personalmente estos premios me han parecido un poco caóticos, mezclan películas de 2 años diferentes El Discurso del Rey y En Un Mundo mejor, películas ya reconocidas el año anterior en los Oscars y en otros premios vuelven a estar aquí, quitando premios a películas de este año. (no me quejaré demasiado porque desconozco exactamente el funcionamiento, pero sí sería interesante que todo el mundo se pusiera de acuerdo -americanos y europeos- para determinar que películas son de que año). Felicitar también a la película española Chico y Rita que se llevó el galardón a mejor película de animación.

Aquí los demás ganadores:

- Mejor película: Melancholia de Lars Von Trier.

- Mejor dirección: Susanne Bier por En un Mundo Mejor.

- Mejor actor: Colin Firth por El Discurso del Rey.

- Mejor actriz: Tilda Swinton por We Need to Talk About Kevin.

- Mejor guión: El Niño de la Bicicleta de los hermanos Dardenne.

- Mejor fotografía: Melancholia de Manuel Alberto Claro.

- Mejor montaje: El Discurso del Rey de Tariq Anwar.

- Mejor dirección artística: Melancholia de Jette Lehmann.

- Mejor música: The Artist de Ludovic Bource.

- Mejor ópera prima: Oxygen de Hans Van Nuffel (Bélgica/Holanda).

- Mejor documental: Pina de Wim Wenders.

- Mejor película de animación: Chico y Rita de Javier Mariscal y Fernando Trueba.

- Mejor cortometraje: The Wholly Family de Terry Gilliam.

- Premio del público: El Discurso del Rey de Tom Hooper.

- Premio honorífico: Stephen Frears.

- Premio honorífico internacional: Mads Mikkelsen.

- Premio Euroimages: Mariela Besuievsky.

Hoy también se han conocido los BIFA, galardones a las producciones independientes británicas. Tyrannosaur ha sido la gran triunfadora quien ha ganado el premio a mejor película, dirección novel y actriz. Además, Fassbender consigue su primer premio por su actuación en Shame. No voy a ser yo quien dude de la calidad de estos premios, pero me parece bastante surrealista ver a Submarine premiada a mejor guión, cuando la película es muy justa. En fin, premios raros y en los que una no está de acuerdo hay muchos.

La lista de los premiados:

- Mejor película: Tyrannosaur de Paddy Considine.

- Mejor dirección: Lynne Ramsay por We Need to Talk About Kevin.

- Mejor actor: Michael Fassbender por Shame.

- Mejor actriz: Olivia Colman por Tyrannosaur.

- Mejor actor de reparto: Michael Smiley por Kill List.

- Mejor actriz de reparto:Vanessa Redgrave por Coriolanus.

- Mejor guión: Submarine de Richard Ayoade.

- Mejor dirección novel: Paddy Considine por Tyrannosaur.

- Revelación: Tom Cullen por Weekend.

- Mejor producción: Weekend.

- Premio Raindance.Concedido a los cineastas que trabajan contra las cuerdas: Leaving Baghdad de Koutaiba Al-Janabi.

- Mejor contribución técnica:Maria Djurkovic por la dirección artística de El Topo.

- Mejor documental: Senna de Asif Kapadia.

- Mejor cortometraje británico: Chalk de Martina Amati.

- Mejor película extranjera: Nader y Simin: Una Separación.

- Premio especial del jurado: Graham Easton.

- Premios honoríficos: Kenneth Branagh y Ralph Fiennes.

A Dangerous Method (Un Método Peligroso), Encorsetado Cronenberg

A Dangerous Method es la nueva película del director canadiense David Cronenberg. Este blog esperaba con muchas ganas la película por varios motivos: un buen reparto (sobre todo masculino), un tema muy interesante (el psicoanálisis) y un director que tiene sus más o sus menos pero siempre logra transmitir algo interesante.

A Dangerous Method nos habla de la relación de Jung con su mentor Freud y con Sabina Spielrein, paciente, amante y compañera de profesión de Jung. El film se centra en como Jung, seguidor del psicoanálisis pone en práctica los planteamientos teóricos de Freud y como siente la necesidad de expandir y variar sus teorías. Paralelamente, se sentirá atraído por su nueva paciente Sabina Spielrein quien sueña con ser médico y posteriormente psicoanalista; y tendrá que decidir si romper las barreras éticas, o mantener la cordial relación médico-paciente.

El film nos habla del deseo, de la represión, de la sexualidad, de la competencia, de la rivalidad, de mentores y pupilos. Todo eso en base en un guión muy hablado, quizás demasiado, donde la información obvia te la repite demasiado y los temas interesantes parece pasárselos de forma rápida como quien no quiere la cosa. Un guión que se centra demasiado en la relación entre Jung y Sabina sin sacar todo su jugo; y se deja sin explotar la relación Freud-Jung, relación mucho más explosiva.

El guión no es el único elemento del que adolece la película. Las actuaciones son desiguales. Viggo Mortensen es el único que convence en todas sus intervenciones. El actor lo vuelve a conseguir, vuelve a esconderse tras el personaje que interpreta y muestra un Freud creíble. Hace que su personaje sea interesante en las pocas intervenciones que tiene a lo largo de la película.  El peso de la película recae sobre el personaje de Jung interpretado por Michael Fassbender. El actor del momento interpreta con una frialdad casi extrema a su personaje hecho que cuesta ver su evolución. Vincent Cassel vuelve a convencer interpretando a Otto Grass, una intervención corta pero catalizadora e importantísima para el posterior desarrollo de la trama. Por último, esta Keira Knightley quien a pesar de que en los primeros minutos sufrimos por su mandíbula, casi parece que quiera sentarse a nuestro lado para ver la película, se esfuerza en la creación de sus personajes y a pesar de las pequeñas sobreactuaciones cumple. Knightley muestra otro registro bastante alejado de lo que nos tiene acostumbrado y demuestra que puede cambiar. El gran problema interpretativo es la falta de química entre Fassbender y Knightley, no hay culpables, simplemente no funcionan como pareja. Y si no te los crees, la película pierde muchos enteros.

La película es una lógica evolución de la filmografía de Cronenberg, quién obsesionado con la psicología de sus personajes empezó a mostrarlo en cambios físicos de la carne (en sus primeras películas) para madurar y ofrecernos unos cambios más internos (Una Historia de Violencia y Promesas del Este). Aquí se atreve con una historia “real” con personajes reales, una producción de época. Quizás por la falta de costumbre parece por momentos un poco desubicado, y va encerrando los personajes en largas conversaciones. La dirección no es todo lo fluida que podríamos esperar de Cronenberg quien parece algo encorsetado. Aun así, de camino a casa, la película ha permanecido en mi cabeza, buena señal. Creo que con el paso del tiempo, si se revisa se redescubrirán pequeños matices, pequeños detalles (en las conversaciones Freud-Jung) que a causa de un guión denso que por momentos no acaba de decir nada, no se pueden apreciar demasiado.

Como conclusión podemos decir que la película posee una premisa interesante y un planteamiento interesante, pero que poco a poco vemos como se va por el camino equivocado a pesar de que nos regala destellos y momentos visualmente e interpretativamente poderosos. La falta de química entre Fassbender y Knightley no ayuda, sobre todo teniendo en cuenta que Cronenberg y el guinista Christopher Hampton apuestan por poner como gran pilar de la película la relación entre Jung y Sabina.

Nota: 7/10

Hugo y The Decendants trunfadores en los premios de la National Board of Review

Hace un par de días quedaba inaugurada la carrera hacia los Oscars 2012 y hoy se han dado a conocer los segundos premios de la mano de la National Board of Review. Totalmente diferentes, no ha repetido galardón nadie, y como en el Círculo de Críticos de Nueva York han estado bastante repartidos. 

Hugo de Martin Scorsese se ha llevado el premio a Mejor película, y aunque tiene muy buenas críticas, a juzgar por el trailer sigue sin convencerme, aunque habrá que darle una oportunidad pues ya sabemos lo engañosos que pueden llegar a ser los trailers. El otro film que ha salido reforzado ha sido The Descendans quien se ha llevado 2 premios interpretativos y el galardón a mejor guión adaptado. Me alegro particularmente del premio de mejor película de animación para Rango (categoría bastante floja este año) y por Nader y Simin: Una separación, la única que repite galardón. Curioso ver a J. Edgar y a Harry Potter en el top 10 del año; la primera porque ha tenido unas críticas muy flojas, y la segunda porque por muy espectacular que sea, como película no es para tanto. También me alegra ver títulos como Another Earth, Margin Call o el documental sobre George Harrison llevarse un poco de reconocimiento.

Los demás premiados son:

- Mejor película: La Invención de Hugo de Martin Scorsese.

- Mejor dirección: Martin Scorsese por La Invención de Hugo.

- Mejor actor: George Clooney por Los Descendientes.

- Mejor actriz: Tilda Swinton por We Need to Talk About Kevin.

- Mejor actor de reparto: Christopher Plummer por Beginners.

- Mejor actriz de reparto: Shailene Woodley por Los Descendientes.

- Mejor reparto: Criadas y Señoras.

- Mejor guión original: 50/50 de Will Reiser.

- Mejor guión adaptado: Los Descendientes de Alexander Payne.

- Mejor ópera prima: Margin Call de J.C. Chandor.

- Revelación: Ex aequo Felicity Jones por Like Crazy - Rooney Mara por Millennium. Los Hombres que no Amaban a las Mujeres.

- Mejor película de animación: Rango de Gore Verbinski.

- Mejor película en lengua no inglesa: Nader y Simin: Una Separación de Asghar Farhadi.

- Mejor documental: Paradise Lost 3: Purgatory de Joe Berlinger y Bruce Sinofsky .

- Premio Spotlight: Michael Fassbender por Shame, Un Método Peligroso, Jane Eyre y X Men: Primera Generación.

- Premio a la Libertad de Expresión: Crime After Crime y Pariah.

- Premio especial: A la saga Harry Potter por su exitoso paso de la literatura al cine.

- Mejores películas del 2011. Orden alfabético:

The Artist
The Descendants
Drive
The Girl with the Dragon Tattoo
Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2
The Ides of March
J. Edgar
Tree of Life
War Horse

- Top 5 de mejores películas en lengua no inglesa. Orden alfabético:

13 Assassins
Elite Squad: The Enemy Within
Footnote
Le Havre
Point Blank

- Top 5 de mejores documentales. Orden alfabético:

Born to be Wild
Buck
George Harrison: Living in the Material World
Project Nim
Senna

- Top 10 de producciones independientes. Orden alfabético:

50/50
Another Earth
Beginners
A Better Life
Cedar Rapids
Margin Call
Shame
Take Shelter
We Need To Talk About Kevin
Win Win

Empieza la carrera hacia los Oscars 2012: Premios Gotham y Círculo de Críticos de Nueva York

Podemos afirmar que hoy se ha dado el pistoletazo de salida de los Oscars, empieza la carrera de películas, directores, actores, directores de fotografía y compositores para llegar al Kodak Theatre y tener la posibilidad de llevarse el preciado y deseado galardón. 

Antes de darse a conocer los premios del Círculo de Críticos de Nueva York, los primeros premios considerados oficiales y que ya hay que tener en cuenta de cara a las papeletas de las películas a los Oscars, se han entregado los Gotham Awards. Premios otorgados por los cineastas independientes de la Costa Este. En éstos El Árbol de la Vida y Beginners se han repartido el premio gordo. Beginners también ha conseguido un premio a mejor reparto. Aquí la lista de los ganadores restantes:

- Mejor película: Ex aequo Beginners de Mike Mills - El Árbol de la Vida de Terrence Malick.

- Mejor reparto: Beginners (Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent).

- Mejor revelación: Felicity Jones por Like Crazy.

- Mejor director novel: Dee Rees por Pariah.

- Mejor documental: Better this World.

- Mejor película inédita: Scenes of a Crime.

El Círculo de Críticos de Nueva York han proclamado como primer vencedor a The Artist y a su director. Los premios interpretativos han estado repartidos entre diferentes película y han sido para Brad Pitt, Meryl Streep (a ver si consigue ya otro Oscar), Albert Brooks y Jessica Chastain. Destacar el reconocimiento como mejor película de habla no inglesa a Nader y Simin: Una separación, una de las mejores películas del año junto con The Artist para la que escribe.

- Mejor película: The Artist de Michel Hazanavicius.

- Mejor dirección: Michel Hazanavicius por The Artist.

- Mejor actor: Brad Pitt por Moneyball y El Árbol de la Vida.

- Mejor actriz: Meryl Streep por La Dama de Hierro.

- Mejor actor de reparto: Albert Brooks por Drive.

- Mejor actriz de reparto: Jessica Chastain por El Árbol de la Vida, Criadas y Señoras yTake Shelter.

- Mejor guión: Moneyball de Steven Zaillian y Aaron Sorkin.

- Mejor fotografía: El Árbol de la Vida de Emmanuel Lubezki.

- Mejor película en lengua no inglesa: Nader y Simin: Una Separación.

- Mejor documental: Cave of Forgotten Dreams de Werner Herzog.

- Mejor ópera prima: Margin Call de J.C. Chandor.

- Premio especial: Raoul Ruiz.

The Help, Criadas y Señoras

Desde que se estrenó The Help, y después de recibir buenas críticas allá donde se exhibía, que suena en todas las quinielas de la próxima edición de los Oscars. Y no es para menos, porque más allá de sus fallos, no se puede negar que parece creada para arrasar en la ceremonia de los más prestigiosos premios. Historia sobre la lucha por los derechos humanos (de esas que toca la fibra sensible, tal y como les gusta a los académicos), cuidada técnicamente, y con grandes actuaciones.

The Help trata sobre criadas y señoras tal y como acierta el título español. Nos situa en Jackson, Mississipi a principios de los años 60 cuando empezaban los movimientos a favor de la igualdad entre blancos y negros en las grandes ciudades. En ese contexto Skeeter, una joven independiente que vuelve de la universidad para ser escritora y periodista decide escribir un libro desde la perspectiva de las criadas. Para conseguirlo, primero tendrá que convencerlas para contar lo que sienten, y para eso tendrá que comprenderlas y verse de alguna forma involucrada en la lucha para la igualdad entre blancos y negros. Eso causará el escándalo de sus amigas de la infancia quienes con hipocresía y superioridad desprecian a sus sirvientes y a todos aquellos que no tengan una vida aparentemente perfecta.

El film como avanzaba más arriba está muy cuidado; el guión del propio director Tate Taylor sin ser una maravilla dibuja bien los personajes y las situaciones, y transmite el mensaje de forma clara, precisa y sin complicarse la vida. No nos engañemos, esa historia ya la hemos visto, y no una, ni dos, ni tres, muchas veces. Quizás la evolución de la historia parece forzada, algunas excusas para actuar no acaben de convencer, pero no nos importa. The Help tiene la virtud de transmitirla con bastante frescura, de manera ágil, sin aburrir (a pesar de las 2 horas y 25 minutos de duración), sacando una parte cómica sin forzarla... Todo eso se podría resumir en que el film tiene encanto, convence, y no puedes evitar la sonrisa al aparecer los títulos de crédito.

La película no es atrevida, no es transgresora ni innovadora, pero con una puesta en escena clásica y efectiva consigue sus objetivos. La minimalista pero bonita banda sonora de Thomas Newman y la fotografía de Stephen Goldblatt ayudan a embellecer el resultado final.

Seguramente la película recibirá algunas nominaciones a los Oscars, si yo pudiera rellenar una papeleta, esas nominaciones serían en las interpretaciones. Viola Davis y Octavia Spencer forman un dúo estelar como Abieleen y Mimmy, las dos críadas protagonistas. La primera pone la parte más dramática de la película y la segunda la parte cómica. Las dos se comen a todas “las blancas” que salen en la película y me parecería justo su reconocimiento con una nominación. Emma Stone interpreta a Skeeter la protagonista con el suficiente aplomo, consigue una actuación más serie y contenida de lo que nos tiene acostumbrados y nos abre nuevos registros. Bryce Dallas Howard y Jessica Chastain interpretan a Hilly y Celia Foote, dos “señoras” muy diferentes, la primera una arpía, sin remordimientos cabecilla del grupo de mujeres de Jackson; y la segunda “señora” que no sabe comportarse como tal, inocente e ilusa que protagoniza algunos de los momentos más hilarantes de la película. Los otros momentos hilarantes son para Sissy Spacek, injustamente bastante desaprovechada.

Como conclusión, The Help es una película bien hecha y cuidada con gran fuerza expresiva gracias a las actuaciones, que se sirve de una historia contada dándole una visión fresca y simpática.

Nota: 7/10

Carnage (Un Dios Salvaje y un Polanski dócil)

Desde que se estrenara El Escritor y me dedicara a repasar la filmografía e un Polanski que desconocía más allá de sus películas más comerciales (Oliver Twist y el Pianista), que sigo los pasos del pequeño director polaco. A día de hoy y a falta de buenas ideas, ver a alguien capaz de llevar a la pantalla con bastante maestría adaptaciones con un toque inquietante en cada una de sus películas siempre se agradece. Por tanto es lógico, que ante Carnage, una adaptación de una obra de teatro del mismo título, mi expectación fuera alta, muy alta, y más aun viendo el reparto. Como siempre las expectativas juegan una mala pasada.

Carnage o Un Dios Salvaje como se ha llamado en España nos cuenta una historia a tiempo real, la reunión de dos matrimonios en casa de unos para discutir sobre una pelea de sus respectivos hijos. Uno de los niños pegó al otro en una discusión en un parque de Brooklyn después de que este le impidiera entrar en su grupillo.

Como adelantaba más arriba Carnage está basada en una obra de Yasmina Reza, dramaturga francesa, quien con la colaboración de Polanski también es la encargada de hacer la adaptación para la gran pantalla. La premisa es muy sencilla, y quizás por eso resulta tan poderosa. Una crítica a la sociedad americana y su hipocresía, aunque se puede traspasar a cualquier sociedad media-alta, acomodada que se dedica a aparentar y a competir con las demás familias a ver quién es la más responsable, la más perfecta y la más idílica. Pero no existe la familia perfecta. Mediante una simple conversación primero convencional, donde todos ellos quieren parecer “adultos responsables y con una moral de clase media-alta”. Poco a poco se irán quitando las máscaras y mostrarán su verdadera cara, dejando la moral en el cajón de la mesilla de noche.

El film es arriesgado, Polanski se atreve a plantear la película como la obra de teatro, una historia a tiempo real que no a respiro y que siempre va increscendo. Un film que supongo igual que su obra de teatro homónima tiene los tempos muy marcados, milimétricos, pero que ha encontrado la fórmula perfecta, aunque por momentos se denote poca naturalidad. Por otro lado, toda la película menos el primer y el último plano sucede dentro de 4 paredes, dentro de un apartamento de Brooklyn. En Carnage se ve demasiado acartonado, demasiado teatral. Y no es teatral por haberse rodado en un solo escenario, es teatral, porque Polanski en este caso no acaba de sacar todo el jugo que podría haberle sacado (sino revisad The Death and the Meiden, un solo escenario y mucho mejor resuelta). Eso es más grave/imperdonable sabiendo que Polanski es un maestro en espacios pequeños y claustrofóbicos.

Otro elemento que resultan a la vez cara y cruz son las actuaciones. Con un reparto para quitar el hipo: Kate Winslet y Cristoph Waltz interpretando al matrimonio Cowan, padres del niño agresor; y John C. Reilly y Jodie Foster el matrimonio Longstreet, padres del niño agredido. Los personajes no dejan de ser clichés, la mujer ejecutivo, el abogado con el móvil en la oreja todo el rato, el empresario exitoso que empezó desde lo más bajo y la activista acomodada. Lo cierto es que funcionan, pero al hacerlos tan estereotipados para que funcionen los diálogos, se echa en falta una psicología más profunda. De esta manera son los momentos de más hilarismo, los que hacen más gracia, pero los que parecen por momentos más exagerados, por momentos al borde de la sobreactuación (sobre todo Foster y Winslet).

Como conclusión una película con un mensaje muy interesante, aunque no nuevo, con un buen reparto, que sin embargo quizás porque la propia Reza no acaba de saber adaptar su obra en otro medio, o porque Polanski no le acabó de sacar todas sus posibilidades, queda con un resultado agridulce. Supera a la media general; pero insuficiente tratándose de Polanski de quien me esperaba más mala leche, más oscuridad en una historia que se acaba siendo políticamente correcta.

Nota: 6/10

Eva, artificial y sin inteligencia

Eva es la nueva película de la factoría de jóvenes directores de la ESCAC (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Catalunya). Lo cierto es que la productora Escándalo Films (asociada a la ESCAC) nos tenía muy bien acostumbrados, aportando alguna joyíta como 3 Días con la Familia, y con un tipo de películas que con mayor o menor fortuna pretenden separarse de las comedias casposas españolas. Este año presentaban la ópera prima de Kike Maíllo, Eva, una película de ciencia ficción que visualmente se veía espectacular. A pesar de algunas opiniones contrariadas, la mayoría de buenas críticas y el teaser simple pero efectivo que había en la red desde hacía meses me llevaron a la butaca del cine.

Eva nos cuenta la historia de Alex un reputado ingeniero cibernético en un futuro cercano, el año 2041, que vuelve a su ciudad, Santa Irene, aceptando una oferta de trabajo de una antigua compañera. Su trabajo consistirá en crear un niño robot, concretamente la parte emotiva. Para ello buscará un ejemplo en el que basarse. Paralelamente, el pasado que dejó 10 años atrás volverá a él teniendo que resolver disputas con su hermano y sentimientos con su antigua novia, ahora con su hermano.

El film tiene buenas intenciones, consigue una buena ambientación, y consigue que nos podemos creer más o menos la situación. Un futurismo en cierta manera nostálgico, con unos coches que recuerdan más a los antiguos que a lo que imaginamos como el futuro. La fotografía cuidada y la banda sonora simple pero efectiva. Cabe destacar los efectos especiales, que sin ser nada del otro mundo, se nota el poco presupuesto, cumplen cuando son necesarios y los robots se ven naturales. Los efectos se convierten en lo mejor del film. En este aspecto Kike Maíllo y Escándalo Films arriesgan mucho, y en este caso lo acaban pagando.

Por desgracia decir que lo mejor de esta película son los efectos especiales y aspectos más técnicos no es buena señal. La ESCAC y las películas de Escándalo Films siempre se caracterizaban por ser muy austeras,producciones muy humildes pero con un buen guión y unas actuaciones suficientemente buenas para aguantar el film. Y en Eva es precisamente el guión y las actuaciones lo que hace aguas.

Si nos centramos en el guión, no es que está mal escrito, es más, creo que los dos primeros actos están bastante bien construídos, transmite lo que tiene que transmitir y el mensaje es claro, pero en el tercer acto, normalmente el que más recordamos y el que por tanto más cuidado debe estar fracasa estrepitosamente. Uno de los motivos es que no tiene clara en ningún momento el rumbo que quiere darle al film. ¿Qué es Eva? ¿Una película de ciencia ficción que se cuestiona el dilema moral de si los humanos tienen derecho a "esclavizar" a los robots por el simple hecho de ser su creador?;  ¿es un drama de personajes que no saben exactamente que quieren hacer en sus vidas en un futuro con robots que sirven de mcguffins? ¿o un misterio a resolver?
Eva no es un misterio a resolver, el misterio es demasiado obvio y aunque Maíllo está empeñado en pensar que su película puede aguantar cierta tensión tal y como nos lo demuestra su estructura en flashback esta es nula, porque el guión lo cuenta todo de forma demasiado evidente, casi tanto como una película infantil. ¿Es un drama de personajes? Quizás por unos minutos, parece lo más probable, pero todo se viene abajo, cuando estos personajes están desdibujados y tienen poca fuerza. Por tanto, por descarte parece que lo más sólido del guión es el dilema moral, lo malo es que es un dilema muy tratado en películas de ciencia ficción, y comparándolas, Eva queda retratada.

Las interpretaciones son muy flojas. No sé si porque los personajes no están suficientemente dibujados o simplemente que el actor que lo interpreta no llega a más. Daniel Bruhl interpreta a Alex el protagonista de manera correcta, quizás el mejor del triángulo amoroso. Marta Etura y Alberto Amann interpretan a la antigua novia y al hermano de Álex. La primera sigue con sus pobras actuaciones en las que solo sonríe y se muestra simpática, pero sin destacar demasiado. El segundo hace su peor actuación. El personaje de Amann no aporta nada relevante, es prácticamente insostenible y eso no ayuda. Quiero pensar eso, porque sin ser un gran gran actor, a mí en Celda 211 y en Lope me convenció. Claudia Vega interpreta a Eva, con una actuación que está al límite entre la sobreactuación de niño repelente y la simpatía. Por último, Lluís Homar interpreta a Max, un mayordomo robot. Homar cambia de registro y ofrece una actuación simpática, graciosa y diferente.

Como conclusión, el film es un "bluf". Te esperas mucho más de lo que después te da. Visualmente muy cuidada, pero con un torpe y descuidado guión. Al final solo te queda la sensación que lo mejor de la película es el gato robot y Lluís Homar.

Nota: 4'5-5/10

Mientras Duermes, él está ahí

Mientras duermes es la nueva película de Jaume Balagueró. El co-director de Rec1 y Rec2 vuelve esta vez en solitario con una historia de terror, pero que se desmarca claramente de las dos películas anteriores. En esta película cuenta con la inestimable ayuda de un monstruo interpretativo, Luís Tosar como protagonista para explicar una historia turbia, incómoda pero que resulta fascinante.

Mientras duermes nos sitúa en un bloque de piso barcelonés en el que conviven vecinos con un cierto poder adquisitivo. En esta finca vive Clara, una chica joven despreocupada y feliz que se ha acostumbrado a su rutina y que se levanta cada día con ganas de ser feliz; una familia con dos niños pequeños, una solterona… César, el portero del edificio de apartamientos, es un hombre infeliz cuyo objetivo y motivación en la vida es conseguir que los otros también sean infelices. César pronto se siente atraído y obsesionado por esa felicidad que transmite Clara y decidirá ponerle fin de la manera más cruel.

Esta película es un claro ejemplo de que las películas ambientadas en un bloque de apartamientos dan mucho juego. Siguiendo las claras influencias de un maestro en el suspense como Polanski, Balagueró propone un vicioso y macabro juego que nos situa como cómplices de César, un portero con una personalidad fascinante que poco a poco nos arrastra hasta lo que podríamos llamar nuestro lado oscuro o como diría Dexter Morgan nuestro pasajero oscuro. Como La Semilla del Diablo (Rosemary’s Baby) de Polanski, Balagueró y el guionista Alberto Marini construyen un thriller psicológico que va de menos a más desembocando hacia un clímax final cuidado y lógico.

La virtud a la vez que defecto del film es que en ningún momento la película es del todo original. Coge elementos conocidos, personajes conocidos y tramas conocidas para unirlas, mezclarlas y conectarlas de tal manera que funcionen narrativamente y que no parezca que nos está contando lo mismo que otras tantas películas. En este caso Mientras Duermes triunfa, consigue mantener el interés y mantenernos en la butaca atentos a los acontecimientos.

Personalmente, el protagonista me ha recordado a ese monstruo marginado, escondido de la sociedad que de alguna forma se obsesiona por una parte de ella y aunque hace cosas horribles consigue empatizar con el público. No he podido evitar ver en el portero César un Drácula en busca de Mina o el Fantasma de la Ópera obsesionado por captar la atención de Christine.

Luís Tosar como avanzaba al principio de la crítica vuelve a demostrar su potencial interpetando a César, un solitario portero con un pasado oscuro que se intuye a partir de las conversaciones su madre y un presente escabroso. Como es habitual brilla. La gran actuación de Tosar hace que las otras interpretaciones secundarias, como la de Marta Etura (Clara) quede un poco floja o simplemente no consigue ponerse a su a la altura aunque cumple como el resto.

Cono conclusión, Mientras Duermes es un producto interesante, donde Balagueró se deja de experimentos formales, deja la cámara más estable (cosa que yo personalmente le agradezco) y deja a la historia y a su protagonista todo el protagonismo.

Nota: 6/10